No solo de metal vive el hombre heavy: Novedades de la escena rap española.

En el mes de septiembre, el mundo del rap español underground tuvo dos nuevas reseñas en su historial, y ambas son fantásticas. El disco "Todos los ojos lloran mierda" de Charly Efe y la edición limitada del disco de Los Chikos del Maíz "Pasión de Talibanes", el cual contenía tres temas nuevos y el vídeo DVD "La mazorka mecánica", un documental lleno de jugosas entrevistas a los miembros del grupo y la grabación del viaje a Venezuela del grupo que se produjo en el año pasado, que se hace un poco aburrida. Ambos materiales eran de fácil obtención por la red, pues su difusión gratuita estaba avalada por el beneplácito completo de sus autores, e incluso en Twitter Toni y Carles dieron los links a MediaFire para obtener los discos, cosa que les dignifica (al igual que hicieron Los Birutas con su álbum, tanto en BandCamp como en MediaFire). Y dado que me he animado, voy a analizar el disco de Charly, y posteriormente los tres nuevos temas de La Mazorka.

Comenzando con un grito de Tarzán nos encontramos ante el primer tema de "Todos los ojos lloran mierda", "La vida insatisfecha", con un ¿bolero? subido varios tonos como base musical, aderezado con una poderosa caja de ritmos y scratchs cedidos por el productor del tema, Loren D. Hacia el final, tras los rapeos, nos encontramos con un pequeño solo de scratches a partir de samples de versos de Charly Efe y otros raperos colaboradores. Un tema interesante, muy en la línea de su estilo.

Con un inicio de base suave probablemente electrónico, que rápidamente pasa a ser más denso e intenso, se nos presenta el tema homónimo del disco "Todos los ojos lloran mierda",  un tema en el que el rapero Charly analiza su pasado en el rap, lo que no vivió y realiza una dura crítica a otros raperos a los cuales no menciona. Aparte, se desquita de asuntos amorosos gastados ya dejados. Todo con kilos y kilos de fanfarronería.

El siguiente tema me tiene en un dilema, porque en el fondo me gusta pero tengo serias discrepancias. En concreto se trata de "Retales". En este tema colabora Suite Soprano, un rapero con una voz que a mis oídos suena bastante disonante y desagradable, con una forma de cortar los versos bastante exagerada, y con algunas rimas y versos un poco cogidos con pinzas. La base es bastante rara, un piano que realiza siempre el mismo patrón de notas con un sonido poco armónico, un sintetizador con un sonido repetitivo excepto en el estribillo, donde realiza un pequeño acompañamiento al piano y una caja de ritmos bastante normalita, nada excepcional.

El título de la siguiente canción, "Fuck mainstream", es una pura declaración de intenciones, pero aún así solo queda en el título porque es, más bien, un tema de análisis . En ella habla de cómo se hizo rapero, y se queja de la poca evolución palpable de sus competidores en la escena española, de su falta de cultura y calidad en los textos, el odio hacia los vendidos infundado y un recuerdo a los amigos que ya no están a su alrededor. La base parece ser totalmente original, con una caja con un bombo poderoso y predominante, sintetizadores con un sonido cercano a un violín y pequeños toques de fondo para generar una pequeña melodía.

Empezando con una copla "Entre lunas y trifásicos" habla más a fondo de su época drogadicta, en la que analiza muchos asuntos existenciales, desde el amor, hasta épocas de tirado bohemio viviendo entre casas de amigos que le socorrían. La base utiliza el "lor" de dolor de la cantante de copla generando un sonido "ror" y la palabra "horror" a través de los temporizados oportunos y está fundamentada en un sintetizador cercano al sonido de un violín y una intensa caja de ritmos con un ritmo de complejidad media. Todo ello conforma un tema complejo de entender y con palabras extrañas. ¿Trifásicos?

Llegamos a un tema cuyo colaborador, Cheb Ruben, fue vapuleado por mi persona en este blog en una de las anteriores entradas, sin ir más lejos en la reseña del disco Bang! 2. Producido en este caso por Buhochicos, el tema que rapea esta vez junto a Charly es "Sonata de invierno", con una intro muy siniestra, seguramente sacada de alguna película, que habla de penitencias y sufrimientos. Ésta vez Cheb está mucho mejor que en el disco en el que le analicé y escuché. Su voz sigue siendo un poco dejada, pero al menos sus letras no parecen un puñetero suicidio. El ambiente y la temática de la canción siguen siendo parecidos, con una base depresiva, con un sintetizador que genera la melodía, una base prominente y de vez en cuando un efecto de voz extraño haciendo como un "¡UWHOOO!". Destaca además que hay un solo de scratch a mitad de la canción. Hay más referencias que en los demás temas, a Lorca, ... Y he de decir que las rimas de Cheb "... lo dedico a otros menesteres y hace tiempo que robo, no sé lo que no debo y hace días que no bebo, tiempo que no como, por eso será que no cago" la habré escuchado por lo menos veinte veces y aún así no me gusta, siempre achino los ojos cuando las escucho porque me chirrían. Por lo demás, se me hace más potable que "Canción trágica".

El siguiente tema,  "Algunos hombres buenos" es el que más difícil se me hace analizar, porque de la primera parte poco puedo sacar en claro y de la segunda otro tanto, pues tienen un estilo bastante oscuro en cuanto a la escritura de versos, llena de metáforas jodidas. Por lo general repite temas de otras canciones. Posee uno de los mejores estribillos del disco, mezclando fanfarronería con belleza  hecha verso. La base mezcla el ritmo de lo que puede ser un bolero con una caja de ritmos potente y un sintetizador con un efecto suave que conforma la melodía, y en algunas secciones y en el estribillo la melodía se hace bastante interesante.

Todo el resentimiento habido y por haber hacia una mujer que hayan podido sentir dos raperos seguro que quedan en nada en este tema, "El día de tu boda", en el cual colabora un rapero a mi juicio extraordinario, Teko, cuya parte y la de Carles son un ejército de pullas a su exnovia, la cual se casa y en el día de su boda se lamenta escribiendo una canción con los versos más jugosos de todo el disco. Lleno de recuerdos y deseos de mala suerte, inicia con un bolero suave añadiendo caja de ritmos y las voces de estos raperos, con un interludio de scratchs a mitad de camino con la frase "el día de tu boda" en labios de Teko y claudicando el tema con el audio de lo que posiblemente sea el audio de una película, en la que la novia se niega a casarse y huye de la Iglesia.

Y finalmente, a modo de hidden track, un minuto y algo más adelante dentro de la pista "El día de tu boda" nos encontramos el tema promoción "Nada que temer", un temoncio depresivo y de aire muy poético basado en el desamor, con una base emotiva y un final de Teko que creo que es añadido frente a la versión de promo de Youtube.

En general un disco de aire claramente depresivo en el que la dimensión política de Charly Efe se ha diluido totalmente y el resentimiento se hace el rey de las temáticas, con mucho desamor, alcohol, drogas, ... y que al fin no suene a suicidio.

Los Chikos del Maíz nos llegan con un trabajo de tres temas con un ambiente más oscuro y serio del desenfadado y dicharachero lleno de humor negro al que nos suelen tener acostumbrados, de los que realmente recientes son "El secreto del acero" y "T.E.R.R.O.R.I.S.M.O", pues "Cultura y compromiso" ya salió hará medio año por Youtube como anticipo de sus nuevos trabajos.

"Cultura y compromiso" es un tema que en el vídeo inicia con una cita a Gramsci, lo que ya da trasfondo a la ideología, y en este tema hacen pura apología de grandes autores como Lorca, Picasso, Miguel Hernández, ... los defensores poéticos del pueblo, plagado de letras fanfarronas en el caso del Nega, de borracheras, sexo, ... y clase obrera. En el caso de Toni sigue siendo más modesto, haciendo publicidad continua a los movimientos revolucionarios sudamericanos, predicándolos como ejemplo. La base y las voces de ambos raperos son bastante apagadas, con un bajo prominente y un bombo que mete buenos golpes de ritmo.

"El secreto del acero" inicia con una intro sacada de una película (de las que parece que no hay más dobladores). Toni da otra muestra de humildad, quitándose posibles diosificaciones pero esta vez dándose un poco aire de líder, por lo menos espiritual, atacando a los raperos gansta con su superficialidad y medio dedica su parte a dos chavales antifascistas skins matados por fascistas boneheads. Por otro lado, la parte del Nega es mucho más política llena de referencias y sus toques de fanfarronería, de nuevo. La base es suave y suena mucho más gansta que en otras ocasiones.

Finalmente nos encontramos con "T.E.R.R.O.R.I.S.M.O", un tema interpretado junto al grupo de hardcore punk/metalcore español de tendencia temática política Habeas Corpus, que junto a La Mazorka van a montar próximamente una gira conjunta. Inicia con guitarras y scratchs vacíos, en la que los dos raperos se turnan entre las partes suaves y duras de la canción, definiendo a través de la vía de la afirmación lo que es el terrorismo. El estribillo y la última estrofa corre a cargo de los chicos de Habeas y el solo suena sencillo pero bastante decente, acorde con el ritmo lento y violento de la canción. Para mí un sueño hecho realidad, escuchar a La Mazorka detrás de un grupo de metal, en este caso metalcore.

En general, gran trabajo de estos Chikos del Maíz, como siempre.

Reseñando discos: Charly Efe - "Bang 2"

Hace un par de meses un chaval rapero que conozco, me mostró, en una etapa de intolerancia sonora a todo lo que no sea metal del infierno, a los sacrosantos Los Chikos del Maíz, un grupo de rap hiphopero valenciano, que aprovechando su lírica política marxista hizo que me atrajera por el ambiente rapero de nuestra zona. Ese mismo chaval me pasó un pendrive con varios temas de Los Chikos del Maíz, que me convencieron y mucho, pero entre ellos destaco personalmente la canción para La Tuerka de otro rapero, no relacionado directamente con Los Chikos del Maíz. Por ello, hoy vamos a hablar de un exponente del rap español poco conocido en las estaciones de radio (me puedo figurar, como casi todo lo de aquí, heavy metal incluido) pero grande en letras, llenas de pesimismo existencial, muy al estilo del poeta y novelista Bukowski (además escribe en un blog con un estilo similar a este autor, www.terriblesvisiones.blogspot.com.es), comprensión al desamparado, el análisis a un pasado de drogas, apoyo emocional y la típica irreverencia rap que a todo lo tiñe. Ese rapero de la escena valenciana, o quizá poeta, como él prefiere definirse, es Carles Sanchis, mejor conocido como Charly Efe. Y no está solo en el disco que vamos a analizar, ya que cuenta con  colaboradores como Los Chikos del Maíz, Pepo, Cheb Ruben y Apolo. En concreto, el disco que voy a analizar a continuación es Bang 2, publicado en el año 2010.

El primer tema es "Hola hijos de puta" con la colaboración de el rapero Apolo al inicio del tema. La base al inicio, en la actuación de Apolo en la canción, suena un tanto chirriante, pero en la parte de Charly suena más amable, bajo letras que pretenden presentarnos el disco y el estilo del rapero, más bien en una canción más canallesca.


El siguiente tema es "Cuando eramos drogadictos", en el cual analiza aquellos años de juventud donde su vida, me imagino, debió tocar fondo, metiendo los temas del amor y haciendo referencia precisamente al autor literario antes mentado. Ese "A la mierda el estribillo hijos de puta" del estribillo acaba siendo hipnótico (¡JEJE!). Musicalmente su base es muy sencilla y repetitiva, pero suena suave y hace al tema digerible sonando muy industrial.

Un fragmento de una película, me imagino que Easy Rider, referente a la libertad del individuo muy emotivo abre el tema "Easy Rider, nacidos para ser salvajes", tema que cuenta con la participación de El Nega en la primera parte de la canción. La carga política con El Nega se hace mucho más patente, llenando la primera parte de muchas referencias y humor negro. Peca de ciertas rimas fáciles y de poca humildad haciendo tantas referencias a su masaje de ego, pero no deja de ser una canción con gran carácter subversivo, cargando con todo, Dios, la familia, el Estado, ... políticos pseudoprogres, ... Mientras que la parte de Charly Efe es mucho más existencial, más a su estilo. La música y el estribillo corrobora el estilo de la canción, eminentemente depresiva. Finaliza con una jocosa conversación hacia al final de la canción, y con la aparición de un extracto de la canción "Born to be wild" de  la banda de rock Steppenwolf.

La siguiente canción que nos ocupa es "Siempre nos quieren los mismos". Inicia con lo que creo que puede ser una retransmisión de un evento deportivo en una escena dramática, o una película. Con un estilo muy poético y rebuscado, mete existencialismo y ciertos puntos de política, criticando además el estilo de otros raperos, atacando a los poseros y a los copiones. Un tema típico de este género, nada de otros mundo, con una base más gansta-depresiva de lo normal.

A continuación tenemos, con un inicio de gran melancolía, "Que mañana se haga nunca", un tema de corte totalmente existencial, una base con un efecto phaser pronunciado, buena caja de ritmos y versos que danzan entre el auto-odio, las pullas a otros raperos y el suicidio, con un tono poético muy superior al del otro tema.

Seguimos con "El letrista", una canción jazzistica con un ritmo sencillo pero potente,  en el cual habla de drogas, rap gansta (mal) y asuntos existenciales, terminando con un solo de saxofón realmente precioso.

Danzando entre la temática amorosa y existencial tenemos "Cómplices", un tema con una base basada en piano y caja de ritmo que suena un tanto cansina, pero preciosa, haciendo continuos giros de notas, dejando en ocasiones al piano solo en los momentos post-estribillo de la canción.

En el caso de "Contigo (skit)" Charly parece estar más bien recitando un poema con una base de fondo, mezclando en los estribillos estilo rapero, ciertamente un estilo menos agresivo. Una base compuesta de un fondo de guitarra acústica con un riff sencillo e intimista, y una caja de ritmos casi imperceptible basada en platillos. La temática, como en todo Charly, tiende entre el amor y la existencia, pero con un tono menos soez y más sensible.

Iniciando con un tema de, posiblemente, jazz que se hará la base de la canción, Charly y Toni Mejías nos presentan el tema "Huelo a alcohol y a fracaso", basado fuertemente en el amor, eliminando cualquier referencia política, aunque se referencie a Allende por parte de Charly. Desde luego el "Pero yo te rompí el culo" de Toni Mejías se hace el centro de la canción, siendo reflejada en la parte de Charly, con el "Mientras el Toni habla de los culos rotos". Gran tema lleno de pesimismo, alcohol y fracaso.

Con un inicio canallesco, "Causa y efecto" trata la época drogadicta de este rapero de forma mucho más pronunciada, sonando con una voz llena de fuerza, y una base un tanto estándar pero resultona de fondo.

Y llegamos... a "Canción trágica" una canción pesimista al extemo, pesada, peñazo y realmente incómoda de escuchar junto a Cheb Ruben, con algunas rimas que me producen realmente horror. No me gusta el inicio. La parte de Charly no suena del todo mal y no parece perder cierto sentido del humor. Pero la voz de Cheb Ruben suena pésima, horrible y bastante patética, con una voz distorsionada de forma rara. Mal. Muy mal.

"Poema del penitente" inicia en el primer minuto con un auténtico recital de poesía con un estilo evocador y unos efectos sonoros de fondo que evocan lo escuchado y ambientan con toques de oscuridad. A partir del minuto 1 se convierte en un tema de rap con una base interesante con variaciones de estilos, pasando incluso por un ritmo regueton. Aunque a partir del minuto 2:40 más o menos la canción pasa a mostrar un audio de voces latinoamericanas (que yo me juego el pescuezo a que es una telenovela) que creo que no viene mucho a cuento, pero finaliza a partir del minuto 3:15 volviendo más tarde a la voz del Charly rapero.

El tema "Ahí os lo dejo" es un análisis y dura crítica a la falta de calidad que tiene el rap patrio, con una base un tanto molesta con un efecto de corte y repetición que me incomoda un poco, pero que conforma un tema contundente.

Llenos de desesperanza, "La muerte de un sueño" con Pepo se hace un tema depresivo mucho más masticable que el de Cheb, más suave y melancólico con secciones líricas maravillosas, tanto por parte de Charly, como por parte de Pepo.

"Minuto 92 (this is Anfield)" es un tema que funde toda la temática del disco y la pone bajo una base sencilla y repetitiva, con un Charly exultante... pero que se hace corta.

En definitiva, este disco es un musicalmente sencillo, como casi todo el rap, con un estilo lírico más contenidista que estético con un tono pesimista pero inteligente. En general, un disco notable.

Reseñando discos: Deep Purple - ''Made in Japan''

>Listado de canciones:

1. "Highway Star" 

2. "Child in Time" 

3. "Smoke on the Water" 

4. "The Mule" 

5. "Strange Kind of Woman" 

6. "Lazy" 

7. "Space Truckin'"

>Integrantes:

-Ian Gillan - Voz

-Ritchie Blackmore - Guitarra

-Jon Lord - Teclados

-Roger Glover - Bajo

-Ian Paice - Batería

>Publicación: 1972

>Género: Rock, Hard Rock

Hola a todos, compañeros de la ''loud music'', cuanto tiempo. Hemos introducido una serie de cambios en el blog que creímos necesarios para darle una nueva imagen y vitalidad (gracias a Ádria por su gran trabajo) y así pudiese llegar mucho más rápido por los ojos y pudiésemos llegar a ser la fuente de información musical y rockera que desde el principio buscábamos ser, y lo estamos consiguiendo. Creo que con el paso del tiempo y los nuevos fichajes que hemos incorporado estamos dándole una vuelta de tuerca al anterior blog y podremos dar una visión más grande, objetiva y actualizada de distintos géneros y subgéneros del Rock y del Metal.

Creo que para este momento tan bonito que vivimos los colaboradores del blog, que vemos como esto va creciendo y vamos adquiriendo la etiqueta de ''comunidad web'' no existe mejor disco para tal reseña. Si aún no has escuchado el ''Made in Japan'' de los Purple, prepárate, por que todo el mundo que ama el rock y se topa con este disco queda absolutamente deslumbrado. Y no sólo por ser una de las bandas más representativas del Hard Rock en la historia de la música, no sólo por que los músicos se crezcan a cada tema que pasa el disco, no solo por eso. ''Made in Japan'' es un diamante que todo amante musical debería tener en su discografía, por su calidad técnica, por la gran etapa del grupo, por el nivel individual, y en definitiva, por que es un puto directo de 1972, y es ahí cuando las bandas demuestran su verdadero nivel interpretativo y musical. Me resultará especialmente satisfactorio y a la par difícil reseñar tal complejidad de disco a nivel interpretativo, pero lo merece, y más teniendo en cuenta el especial cariño que poseo a este grupo, y a esta obra. ¡Vamos allá!
El mismo año que lanzaron el mítico disco ''Machine Head'', Deep Purple en su tour mundial, por primera vez en su historia, pisaron el país del Sol Naciente, donde una gran masa de nipones estaban descubriendo el legado de esta banda y en cada momento salían y crecían fans por doquier. Grabado durante tres noches en Osaka y Budokan, 15 de agosto al 17 de 1972 jamás pensaron lanzar el concierto al mercado, pero de vuelta a Londres el señor Ian Gillan y sus compinches vieron que la calidad del sonido era magnífica y partía jodidos culos!.
Es por ello que lanzaron el disco el mismo año, retrasando su lanzamiento para EEUU. Fue muy bien acogido el disco, tanto que es un hito en la discografía de Deep Purple, gran parte de la fama que poseen reside en esta obra.
La banda se enorgullece en particular en el hecho de que todas las grabaciones son reproducciones bastante cercanas a las actuaciones originales, sin ningún tipo de doblajes de estudio o modificaciones que sea, la única modificación estaba en la música propia, ya que gran parte del disco esta claramente improvisado. Este es también uno de los puntos fuertes del álbum, y de los directos de los Purple y una razón de más por la que este grupo ha llegado a la leyenda.
Todo el mundo se vuelve loco al comienzo de las primeros riffs de ''Highway Star'' y  en especial los grandes Ritchie Blackmore y Jon Lord, que siempre han sido las estrellas del virtuosismo de la banda. Blackmore, egocéntrico como él mismo (un genio sin duda, pero que mala hostia ojú!), coge toda la atención con su famosa Fender Stratocaster, marcando cada riff y bastante más fluído y mejor que en las versiones originales de estudio. Especialmente los solos de ''Child in Time'' y ''Smoke on the Water'' son bastante superiores a los originales. Recuerdo cuando era un pequeño gorrión de las 6 cuerdas y soñaba con tener el porte de este genio fuera de órbita, ahora, a mis 18 años, sigo soñando con ello.
Hoy no voy a hacer un análisis individual de cada canción por que considero que este es uno de los discos que es de obligada escucha y no hay mayor análisis que el que te ofrece tu propio oído, colega, así que tienes deberes.
En el CD extra podemos encontrar tres bises de aquellos mágicos conciertos: "Black Night" (inédito) Un gran tema en el que vemos a los músicos en plenas condiciones, sobre todo la gran voz de Ian."Speed King", Que es muy conocida en el repertorio de los Purple, una canción más cañera y heavy que deja la boca agua desde el primer minuto hasta el último. Pero una de las canciónes que recuerdo con más afán es: "Lucille", 8 minutacos de un tema como el coliseum del metal, especial admiración por este tema que en el CD extra parece invisible pero es de obligada escucha.
Creo que no hay nada más que contaros, si me queréis, escuchar este disco, nunca decepciona y merece estar por siempre en nuestro recuerdo, como recurso y ejemplo de buena música en directo sin aditivos!

>Portada: 8

>Producción: 10

Creo que es injusto, incluso insultante, que no mencione, ni recuerde, a unos de mis teclistas predilectos de todos los tiempos, que nos dejo el pasado 16 de Julio por una embolia pulmonar, después de su gran lucha frente al cáncer. Descanse en paz, haya donde se halle , su música siempre será legado y su nivel de composición y virtuosismo ejemplo.

D.E.P JON LORD

-''Siempre tuve un admirable bigote''

Reseñando discos: Overkill - "Feel the Fire"

Hoy os traigo una referencia dentro del thrash, Overkill, y en especial el álbum debut de la banda publicado en 1985 "Feel the Fire", álbum compuesto mucho antes de que se publicase (teniendo en cuenta que Overkill fue de los primeros grupos de thrash como tal, fundandose en 1980), que, debido a los problemas económicos de la banda, no pudieron publicar hasta entonces. Por aquellos días militaban Bobby 'Blitz' Ellsworth como vocalista, Bobby Gustafson en la guitarra, D.D. Verni en el bajo y Bob 'Sid' Falck en la batería.

El ambiente tenso del inicio del disco, ese pulso y esa respiración precede "Raise the death", un trayazo de proporciones bestiales. Esas guitarras de tono sugerente y oscuro, solos de carácter titánico, ágiles y constantes de extensión más que aceptable, y una batería inspirada y rápida, conforman un primer tema ágil y potente, un gran inicio lleno de rabia.

Una terrible risotada precede "Rotten to the Core", clásico de la banda, con un gran riff de estribillo, un solo compuesto de dos partes de gran factura, coros emocionates con mucha energía, un bajo fuertemente distorsionado y audible, y redobles bombásticos de batería.

Con un título muy punky, llegamos a "There's no Tomorrow", un tema muy potente, que a partir de la mitad muestra un gran cambio de tempo lleno de fuerza, que precede a un solo realmente caótico y bello, muy técnico, con un bajo y una batería potentísimos detrás que aderezan este trallazo.

"Second Son" muestra un poco la sencillez del punk en los riffs, un punk que les es influido por parte de los Sex Pistols, pero conscientes de la necesidad de una voz controlada y virtuosa al frente, y pese a eso, el solo se pasa por el culo la sencillez punk y muestran a partir de ahí un estilo más identificable con Iron Maiden, un tema con una voz bramante y mucha potencia que ceder a los metalheads.

"Hammerhead" hace honor a su nombre, tu cabeza te pedirá headbang, simplemente, como la canción reza. Posee un riff principal rápido e incitante, machaca-cuellos, grandes redobles de batería, y un solo brutal y enredador, con un acompañamiento de fondo que provoca deseos de realizar un pogo.

En la siguiente canción un bajo brutal y dominante inicia el tema, pidiendo que te pongas en pie y te agites como sea. Ese tema es "Feel the Fire". Rezuma poder con riffs de gran dureza rompe-oídos, baterías constantes y bombásticas, momentos emocionantes y mucho sonido de inspiración Maiden. A partir del minuto 3 hay un cambio de feeling en el sonido que me pone los pelos de punta, con un cambio, de nuevo, lleno de épica, una voz potente y guitarras, bajo y baterías emocionantes, que precede un solo ágil y mezclador de muchos estilos, llegando a haber un auténtico pregunta-respuesta al final de este realmente brutal solo.

"Blood and Iron" inicia con un trallazo en los oídos ensordecedor, lleno de oscuridad y gran calidad guitarística, redobles geniales de batería, y grandes sobradas de voz. El solo, con un fondo muy denso, se revela rápido y lleno de múltiples notas. En serio, prueba a quitarte los cascos o bajar el volumen de el reproductor al final de la canción, notarás los oídos por su potencia.

Otro riff potente y ágil precede "Kill at Command", es uno de mis temas preferidos, lleno de intensidad. Lo más destacable son los coros vocales no cantados del minuto 2:15, llenos de épica.

Y para finalizar el álbum, con un viento de historia épica y poderosa nos llega "Overkill", tema sin solo pero con un alto poder sonoro y mucho espíritu punky, con riffs sencillos y ágiles, y un vocalista ispirado y muy motivado.

Además, incluye un bonus track, "Sonic Reducer", con un estilo punk mucho más marcado y estándar.

En general, es un disco que muestra el sonido más oscuro en guitarras en cuanto a thrash se refiere que yo conozca, con un sonido guitarrero curiosamente cercano al wha-wha en los power-chords, lo que me hizo enamorarme irremediablemente de este álbum que bebe de las corrientes NWOBHM y punky de sus coetaneos para ser los adalides de un género en aquella época pugante.

Sangre Fresca: Nuevos grupos (II)

 Hola compañeros del Metal. Hoy os traigo una nueva entrega de "Sangre Fresca". En esta ocasión nos centraremos en otros 3 grupos que recomiendo con todas mis fuerzas.
Dispares todos ellos. Por eso es tan atractivo el metal, por la cantidad de variedad que podemos encontrar con solo investigar un poco.
¡Aquí va!

GOD FORBID 

*Nombre del grupo: God Forbid
*Nacionalidad: Estados Unidos (New Jersey)
*Número de LP's: 6
*Nacimiento: 1999
*Escúchalos si te gusta: Chimaira
*Canción favorita: War of Atrittion


El descubrimiento de God Forbid llegó a mi vida gracias a varias páginas web, foros de internet y revistas que hacían hueco de su nuevo lanzamiento llamado "Equilibrium". Me decidí a explorar su melodía y me encontré a un más que buen grupo de metalcore/heavy metal/Groove. Curioso es el dato de que su cantante sea un bicharraco enorme negro con rastas, hecho que a mi modo de ver, causa un efecto en directo bastante intimidante cómo nuestro "gran" nuevo cantante de Sepultura Derrick Green. Músicalmente poseen unos riffs pesados bastantes pegadizos y potentes. Además de una sección rítmica muy original. ¡A escucharlos!


RIVERSIDE

*Nombre del grupo: Riverside
*Nacionalidad: Polonia
*Número de LP's: 4
*Nacimiento: 2003
*Escúchalos si te gusta: Porcupine Tree
*Canción favorita: Out of Myself


Conocí a Riverside en extrañas consecuencias. Una amiga de mi novia que es bastante metalera, le dijo que su grupo favorito era Riverside. "-¿Los conoces? -me preguntó." Y no, la verdad es que no tenía ni idea qué grupo era ese. Así que investigué, escuché un par de canciones y me parecieron interesantes. No puedo decir que me hayan gustado una barbaridad, pero sí que tienen mucha calidad y algunas canciones de rock progresivo muy técnicas y logradas. Quizás con un cantante mejor, Riverside ganaría muchos enteros.
¡Escuchadlos y ya me diréis!


SKINDRED

*Nombre del Grupo: Skindred
*Nacionalidad: Gales
*Número de LP's: 4
*Nacimiento: 2002
*Escúchalos si te gusta: Ill Niño
*Canción favorita. Ratrace


¡Y éste es el grupo que más deseo mostraros! ¡Todo un descubrimiento! Skindred es probablemente uno de los grupos del sector metalero más raros que haya conocido en mi vida. Pero de lejos.

¿Por qué? Fusionan Rock, Heavy Metal, Groove, Hardcoore, Punk y lo más curioso de todo...Reggae. Sí, Reggae. Podría ser una bazofia, una mierda de fusión inventada por la mente alcohólica de un tucán, pero no...¡QUEDA GENIAL! Solo me queda pediros que escuchéis a este variopinto grupo de Gales.
¡Y atención a la variedad vocal del cantante: "Benji Webbe"!

Reseñando discos: Trivium - "Ember to Inferno"

Es curioso, pero cuando hablo acerca de Trivium y de sus primeras épocas toda la gente pregunta, incluso conociendo Trivium, "¿y de qué disco es esa canción de la que tú me estas hablando?"... y todas mis respuestas, no sin cierta sensación de extrañeza, son "de "Ember to Inferno"". Fans del grupo y metaleros de postín desconocen esta gran etapa del grupo, no precisamente por su éxito entre el público mainstream, cosa que se nota, sino por su mezcla de géneros entre death melódico, thrash y metalcore, desmarcándose más por un sonido thrash al estilo Metallica. La banda, por aquel entonces estaba conformada por Matt Heafy en guitarra y voz principal, Corey Beaulieu en guitarra y coros, Brent Young en el bajo y Travis Smith en la batería y el disco recibió un buen ratio de ventas para lo que es un álbum debut.

El disco comienza con una intro puesta del revés llamada "Inception the Bleeding Skies", la cual, en mi humilde opinión, sobra porque no aporta nada, ni un motivo argumental ni artístico, sólo un leit motiv del revés que se repetirá posteriormente, donde queda mejor. "Pillars of serpents" es una canción, digamoslo así, intensa, de una rama más thrash que el metalcore que suele exhibir el grupo, con un riff principal poderoso, y cierto pasaje de bajada en el minuto 3. Posee un solo precioso, virtuoso y muy neoclásico al final, pero que deja ganas de más, perfecto para empezar el disco. Una muy ágil batería destaca en "If I Could Collapse the Masses" canción en la que muestra mayor diversidad y variaciones entre el estilo duro y el blando del metalcore, pero, incluso, muestran un sonido de guitarras similares a Korn a partir del minuto 2:30, cosa que me sorprende. Y posee un solo muy Kirk Hammet, pero corto. El final es precioso. "Fugue (A revelation)" es para mí una de las canciones más thrasers del disco y muestra un poco parte del virtuosismo vocal y guitarrístico del grupo. Destacan los coros, con un tono suave y certero. A partir del minuto 2:54 se sucede un solo ciertamente épico y más largo que los anteriores. "Requiem" me parece demasiado sencilla para lo que suele hacer este grupo, pero tiene ciertos momentos ágiles y unas bastante bonitas combinaciones vocales melódicas, y ciertamente la voz gutural suena potente. El solo empieza simplista, se enreda brutalmente, y da lugar a una calma, y posteriormente a un caos sonoro realmente delicioso. Realmente destacable en este sentido. "Ember to Inferno". Mi favorita. Potencia por los cuatro costados, gran juego de voces y riffs simples, pero contundentes con un puente al medio-final realmente técnico. Posee un solo ágil, pero al final y casi en fade out, lo que impide escucharlo pasivamente... ¡y eso está mal! Pese a todo, gran tema. "Ashes" es un interludio tranquilo de guitarras casi angelicales que rompe un poco con la gran tensión y dureza de los primeros temas. Pero es muy significativo el final "picado" que muestra... Lo que da lugar a "To Burn the Eye" un tema repleto de intrincados riffs con un feeling curioso en ciertos puntos, en ocasiones tocando un complicando metal y, a veces, acercándose más a un tono de energía punk, mezclado con el estilo metalcore. A partir del minuto 4 se produce un cambio en el feeling, oscureciéndose el estilo radicalmente. El solo, sólo lo puedo describir

como caótico, muy grande. "Falling to grey" comienza con una guitarra rápida y un solo ciertamente corto, sucediéndose con un bonito riff metal soportado por una batería ágil. Ese bombo es espectacular, y el juego de guturales impresionantes, lo malo es que ese tono agudo de voces melódicas en esta canción es un tanto odioso. Tras un momento de calma, surge un solo ascendente y juguetón que adereza esta canción. Pese a todo no llega al nivel de las anteriormente vistas. "My Hatred" destaca por poseer un bajo que se oye como nunca en este disco, una batería un tanto mediocre y simploide para lo que suele verse en este disco, y un juego de voces un tanto falto de imaginación. El solo es en sí rápido y largo pero va como a tirones, no siendo un solo ágil de principio a fin. "When all light dies" comienza imaginativa con rápidos riffs de guitarra, seguidos de un riff principal muy metalcore lleno de variaciones. Los estribillos son poderosos, con voces guturales en algunos puntos y con fondos vocales no vocalizados en las etapas melódicas. A partir del minuto 3:15 el sonido se vuelve pesado con riff realmente angustiantes, con riffs que ya empiezan a divisar el sonido de futuras canciones como ciertas partes de "Like light to the Flies". Solos virtuosos de ambos guitarristas ponen la guinda a un gran temazo, posiblemente oculto, que hacia al final toma el aspecto del inicio electrónico de la siguiente pista, "A view of Burning Empires". Se trata de otro interludio continuando la melodía final de la canción anterior con el uso del mismo sintetizador de la intro, sólo que acompañado de dos guitarraslimpias. "Bliding Tears Will Break The Skies" es la canción con los fraseos de guitarra más intensos y estresantes en los riffs de transición y estróficos, a la par que preciosos en los estribillos. Cuenta con un solo titánico, ágil y corto precedido de una parte intensísima que embotaría la mente de cualquiera y, por todo ello, se trata de otro de mis temas favoritos. "The Deiceved", sin embargo, no me gusta tanto por la composición bizarra de los riffs y el uso barato de vocoders donde no debieran, pese a que sea muy técnico, me suena un tanto pomposo pese a su poder. No es mal tema en sí, pero pudo haber dado algo más de sí. "Demon" tiene un fraseo un tanto oscuro pero aún así dista de la calidad de "Ember to Inferno" y "Bliding Tears Will Break The Skies", parece más un intento de referenciar en su disco el movimiento groove 

con ciertos riffs cercanos a Pantera. Concluyendo, considero que este disco pese a lo desconocido que es merece un mejor trato tanto por los más metaleros, pues contiene elementos thrasers que han abierto en mí la brecha tolerante al metalcore, y a los menos heavies, porque es un disco con elementos melódicos muy marcados de gran calidad.


Gracias por leerme y disfruten de este curiosamente desconocido álbum.

El heavy y el rock 'n roll en los videojuegos

¡Hola, amigos! Soy Viñix, y con esta entrada comienzo mi andadura en "B cuadro y B mol", blog de mis amigos Walter y Alexo-andro, en el cual es un honor participar. Comenzaré con una entrada que mezcla un poco lo que viene a ser dos pasiones de mi vida, el heavy metal y el hard rock con los videojuegos. ¿Y qué clase de relación tendrán estos dichosos hobbies, si no son tan parecidos? De siempre, los videojuegos han bebido de todas las corrientes culturales, y aunque del heavy metal y del hard rock ha bebido menos, tendiendo más hacia el cine, tenemos un par de jugosos ejemplos en los cuales la simbiosis es perfecta.
Para empezar. tenemos "Lords of thunder", videojuego de las videoconsolas Mega CD y Turbo Duo, un más que notable shoot'em up, en el cual su mayor peculiaridad es su banda sonora de acompañamiento, un rugiente heavy metal-hard rock tocado por una banda japonesa y compuesta por Toshiharu Tamanishi. Los temas más destacados son los de la fase "Bosque" y la fase "Dezant", de la cual incluso han realizado covers por internet. Escuchen, juzguen y miren. (Si quieren pueden descargar un versión de la banda sonora en Rapidshare, y no pongo link por miedo a que nos jodan el blog con el rollo de la ley Sinde)

(cortesía de Vertexguy, recuerden)

En tono más rocker, nos encontramos un videojuego de carreras llamado "Rock 'n roll racing" un videojuego de carreras, bastante malo ya, con vista isométrica para los diversos sistemas de 16 bits, en el cual la banda sonora es un conjunto de canciones clásicas de rock n' roll y heavy metal pasadas por el chip de sonido de silicio de las diversas consolas, entre ellas "Paranoid" de Black Sabbath, "Highway star" de Deep Purple,... He aquí unas pequeñas muestras (que creo que son de la versión SNES):

"Doom", uno de los primeros fps, posee una banda sonora curiosa ya que tiene temas basados en otros temas de heavy metal, los cuales forman parte del Olimpo icónico de la música videolúdica, y canciones de "Pantera", que distan de la calidad de éstas, y son midis muy mal hechos.
Un ejemplo de canción basada en otra, es el tema principal de "Doom", que está basada en el riff estribillo de "No Remorse":

...que se basa en el estribillo de...

He aquí una versión arranged (mejorada) de la primera:

Y he aquí unos ejemplos de "canciones" de "Pantera":

...con respecto a la "Walk" original...

... un pelín despropósito diría yo, pero aún así el videojuego no tiró para atrás.

Punto curioso es la participación explícita de Megadeth en la grabación del tema principal de "Duke Nukem", otro clásico fps, en la cual podemos escuchar un tema que a los conocedores de este videojuego sólo puede producirseles una única reminiscencia, Duke:

En un grado más argumental, tenemos al personaje Hoagie (que viene de la palabra "roadie", termino que se refiere al pipa de bandas de rock y metal de carretera) de la aventura gráfica "Maniac Mansion: Day of the Tentacle", creación de los geniales Tim Schafer y Ron Gilbert, el cual se basa en uno de los pipas de Megadeth, que fue conocido por el propio Tim. Este personaje, dentro del juego, ofrece una amplia gama de chistes metaleros y tópicos de los ochenta y noventa en un marco en el que es difícil que encaje: los Estados Unidos de la época colonial, generando muhos mal entendidos. Por lástima, el videojuego no cuenta con grabaciones de heavy metal de ningún tipo, debido al estilo midi que calza, lo cual no sería especialmente atractivo, y tiende a un sonido de música simpática y chorra, que encaja perfectamente con el aspecto y argumentos alocados del título en cuestión. Reseñable es la posibilidad de comprar su camiseta por Internet, así que si gustais de ella, ¿por qué no?

¡Hoagie al rico pixel!

Camiseta de Hoagie, por si quieren, búsquenla en Google. 

Y por último reseño "Full throttle" y "Brütal Legend", ambos videojuegos surgidos de una misma mente. Tim Schafer. El primero es una aventura gráfica de moteros cuya mayor peculiaridad es la banda sonora hardrockera grabada por el grupo motero The Gone Jackals (no he podido jugarle, aún, pero cuando le eche la mano encima no se me escapará). Y el segundo es un videojuego de PS3 y Xbox 360, el cual narra las aventuras de Eddie Riggs, interpretado por Jack Black, el cual destaca sobretodo por ser la mayor peripecia heavy de la historia hecha juego, con incursiones de grandes metaleros como Ozzy, Dio, Lemmy, Haldford, ... y muchas canciones de heavy metal que amenizan la aventura (debido a que no tengo PS3 ni Xbox 360, hablo por informaciones pero supongo que no ando desencaminado, después de todo).

Les presento a Tim Schafer, esa mente loca y brillante.

Me abré dejado infinidad de videojuegos en el tintero, pero son sólo videojuegos con músicas de metal genérico o simple basura. Gracias por todo chicos de "B cuadro y B mol", y queridos lectores, disfruten de la lectura.