viernes, 9 de noviembre de 2012

No solo de metal vive el hombre heavy: Novedades de la escena rap española.

En el mes de septiembre, el mundo del rap español underground tuvo dos nuevas reseñas en su historial, y ambas son fantásticas. El disco "Todos los ojos lloran mierda" de Charly Efe y la edición limitada del disco de Los Chikos del Maíz "Pasión de Talibanes", el cual contenía tres temas nuevos y el vídeo DVD "La mazorka mecánica", un documental lleno de jugosas entrevistas a los miembros del grupo y la grabación del viaje a Venezuela del grupo que se produjo en el año pasado, que se hace un poco aburrida. Ambos materiales eran de fácil obtención por la red, pues su difusión gratuita estaba avalada por el beneplácito completo de sus autores, e incluso en Twitter Toni y Carles dieron los links a MediaFire para obtener los discos, cosa que les dignifica (al igual que hicieron Los Birutas con su álbum, tanto en BandCamp como en MediaFire). Y dado que me he animado, voy a analizar el disco de Charly, y posteriormente los tres nuevos temas de La Mazorka.


Comenzando con un grito de Tarzán nos encontramos ante el primer tema de "Todos los ojos lloran mierda""La vida insatisfecha", con un ¿bolero? subido varios tonos como base musical, aderezado con una poderosa caja de ritmos y scratchs cedidos por el productor del tema, Loren D. Hacia el final, tras los rapeos, nos encontramos con un pequeño solo de scratches a partir de samples de versos de Charly Efe y otros raperos colaboradores. Un tema interesante, muy en la línea de su estilo.


Con un inicio de base suave probablemente electrónico, que rápidamente pasa a ser más denso e intenso, se nos presenta el tema homónimo del disco "Todos los ojos lloran mierda",  un tema en el que el rapero Charly analiza su pasado en el rap, lo que no vivió y realiza una dura crítica a otros raperos a los cuales no menciona. Aparte, se desquita de asuntos amorosos gastados ya dejados. Todo con kilos y kilos de fanfarronería.

El siguiente tema me tiene en un dilema, porque en el fondo me gusta pero tengo serias discrepancias. En concreto se trata de "Retales". En este tema colabora Suite Soprano, un rapero con una voz que a mis oídos suena bastante disonante y desagradable, con una forma de cortar los versos bastante exagerada, y con algunas rimas y versos un poco cogidos con pinzas. La base es bastante rara, un piano que realiza siempre el mismo patrón de notas con un sonido poco armónico, un sintetizador con un sonido repetitivo excepto en el estribillo, donde realiza un pequeño acompañamiento al piano y una caja de ritmos bastante normalita, nada excepcional.


El título de la siguiente canción, "Fuck mainstream", es una pura declaración de intenciones, pero aún así solo queda en el título porque es, más bien, un tema de análisis . En ella habla de cómo se hizo rapero, y se queja de la poca evolución palpable de sus competidores en la escena española, de su falta de cultura y calidad en los textos, el odio hacia los vendidos infundado y un recuerdo a los amigos que ya no están a su alrededor. La base parece ser totalmente original, con una caja con un bombo poderoso y predominante, sintetizadores con un sonido cercano a un violín y pequeños toques de fondo para generar una pequeña melodía.


Empezando con una copla "Entre lunas y trifásicos" habla más a fondo de su época drogadicta, en la que analiza muchos asuntos existenciales, desde el amor, hasta épocas de tirado bohemio viviendo entre casas de amigos que le socorrían. La base utiliza el "lor" de dolor de la cantante de copla generando un sonido "ror" y la palabra "horror" a través de los temporizados oportunos y está fundamentada en un sintetizador cercano al sonido de un violín y una intensa caja de ritmos con un ritmo de complejidad media. Todo ello conforma un tema complejo de entender y con palabras extrañas. ¿Trifásicos?

Llegamos a un tema cuyo colaborador, Cheb Ruben, fue vapuleado por mi persona en este blog en una de las anteriores entradas, sin ir más lejos en la reseña del disco Bang! 2. Producido en este caso por Buhochicos, el tema que rapea esta vez junto a Charly es "Sonata de invierno", con una intro muy siniestra, seguramente sacada de alguna película, que habla de penitencias y sufrimientos. Ésta vez Cheb está mucho mejor que en el disco en el que le analicé y escuché. Su voz sigue siendo un poco dejada, pero al menos sus letras no parecen un puñetero suicidio. El ambiente y la temática de la canción siguen siendo parecidos, con una base depresiva, con un sintetizador que genera la melodía, una base prominente y de vez en cuando un efecto de voz extraño haciendo como un "¡UWHOOO!". Destaca además que hay un solo de scratch a mitad de la canción. Hay más referencias que en los demás temas, a Lorca, ... Y he de decir que las rimas de Cheb "... lo dedico a otros menesteres y hace tiempo que robo, no sé lo que no debo y hace días que no bebo, tiempo que no como, por eso será que no cago" la habré escuchado por lo menos veinte veces y aún así no me gusta, siempre achino los ojos cuando las escucho porque me chirrían. Por lo demás, se me hace más potable que "Canción trágica".

El siguiente tema,  "Algunos hombres buenos" es el que más difícil se me hace analizar, porque de la primera parte poco puedo sacar en claro y de la segunda otro tanto, pues tienen un estilo bastante oscuro en cuanto a la escritura de versos, llena de metáforas jodidas. Por lo general repite temas de otras canciones. Posee uno de los mejores estribillos del disco, mezclando fanfarronería con belleza  hecha verso. La base mezcla el ritmo de lo que puede ser un bolero con una caja de ritmos potente y un sintetizador con un efecto suave que conforma la melodía, y en algunas secciones y en el estribillo la melodía se hace bastante interesante.

Todo el resentimiento habido y por haber hacia una mujer que hayan podido sentir dos raperos seguro que quedan en nada en este tema, "El día de tu boda", en el cual colabora un rapero a mi juicio extraordinario, Teko, cuya parte y la de Carles son un ejército de pullas a su exnovia, la cual se casa y en el día de su boda se lamenta escribiendo una canción con los versos más jugosos de todo el disco. Lleno de recuerdos y deseos de mala suerte, inicia con un bolero suave añadiendo caja de ritmos y las voces de estos raperos, con un interludio de scratchs a mitad de camino con la frase "el día de tu boda" en labios de Teko y claudicando el tema con el audio de lo que posiblemente sea el audio de una película, en la que la novia se niega a casarse y huye de la Iglesia.

Y finalmente, a modo de hidden track, un minuto y algo más adelante dentro de la pista "El día de tu boda" nos encontramos el tema promoción "Nada que temer", un temoncio depresivo y de aire muy poético basado en el desamor, con una base emotiva y un final de Teko que creo que es añadido frente a la versión de promo de Youtube.

En general un disco de aire claramente depresivo en el que la dimensión política de Charly Efe se ha diluido totalmente y el resentimiento se hace el rey de las temáticas, con mucho desamor, alcohol, drogas, ... y que al fin no suene a suicidio.


Los Chikos del Maíz nos llegan con un trabajo de tres temas con un ambiente más oscuro y serio del desenfadado y dicharachero lleno de humor negro al que nos suelen tener acostumbrados, de los que realmente recientes son "El secreto del acero" y "T.E.R.R.O.R.I.S.M.O", pues "Cultura y compromiso" ya salió hará medio año por Youtube como anticipo de sus nuevos trabajos.


"Cultura y compromiso" es un tema que en el vídeo inicia con una cita a Gramsci, lo que ya da trasfondo a la ideología, y en este tema hacen pura apología de grandes autores como Lorca, Picasso, Miguel Hernández, ... los defensores poéticos del pueblo, plagado de letras fanfarronas en el caso del Nega, de borracheras, sexo, ... y clase obrera. En el caso de Toni sigue siendo más modesto, haciendo publicidad continua a los movimientos revolucionarios sudamericanos, predicándolos como ejemplo. La base y las voces de ambos raperos son bastante apagadas, con un bajo prominente y un bombo que mete buenos golpes de ritmo.


"El secreto del acero" inicia con una intro sacada de una película (de las que parece que no hay más dobladores). Toni da otra muestra de humildad, quitándose posibles diosificaciones pero esta vez dándose un poco aire de líder, por lo menos espiritual, atacando a los raperos gansta con su superficialidad y medio dedica su parte a dos chavales antifascistas skins matados por fascistas boneheads. Por otro lado, la parte del Nega es mucho más política llena de referencias y sus toques de fanfarronería, de nuevo. La base es suave y suena mucho más gansta que en otras ocasiones.


Finalmente nos encontramos con "T.E.R.R.O.R.I.S.M.O", un tema interpretado junto al grupo de hardcore punk/metalcore español de tendencia temática política Habeas Corpus, que junto a La Mazorka van a montar próximamente una gira conjunta. Inicia con guitarras y scratchs vacíos, en la que los dos raperos se turnan entre las partes suaves y duras de la canción, definiendo a través de la vía de la afirmación lo que es el terrorismo. El estribillo y la última estrofa corre a cargo de los chicos de Habeas y el solo suena sencillo pero bastante decente, acorde con el ritmo lento y violento de la canción. Para mí un sueño hecho realidad, escuchar a La Mazorka detrás de un grupo de metal, en este caso metalcore.


En general, gran trabajo de estos Chikos del Maíz, como siempre.

miércoles, 29 de agosto de 2012

Reseñando discos: Charly Efe - "Bang 2"


Hace un par de meses un chaval rapero que conozco, me mostró, en una etapa de intolerancia sonora a todo lo que no sea metal del infierno, a los sacrosantos Los Chikos del Maíz, un grupo de rap hiphopero valenciano, que aprovechando su lírica política marxista hizo que me atrajera por el ambiente rapero de nuestra zona. Ese mismo chaval me pasó un pendrive con varios temas de Los Chikos del Maíz, que me convencieron y mucho, pero entre ellos destaco personalmente la canción para La Tuerka de otro rapero, no relacionado directamente con Los Chikos del Maíz. Por ello, hoy vamos a hablar de un exponente del rap español poco conocido en las estaciones de radio (me puedo figurar, como casi todo lo de aquí, heavy metal incluido) pero grande en letras, llenas de pesimismo existencial, muy al estilo del poeta y novelista Bukowski (además escribe en un blog con un estilo similar a este autor, www.terriblesvisiones.blogspot.com.es), comprensión al desamparado, el análisis a un pasado de drogas, apoyo emocional y la típica irreverencia rap que a todo lo tiñe. Ese rapero de la escena valenciana, o quizá poeta, como él prefiere definirse, es Carles Sanchis, mejor conocido como Charly Efe. Y no está solo en el disco que vamos a analizar, ya que cuenta con  colaboradores como Los Chikos del Maíz, Pepo, Cheb Ruben y Apolo. En concreto, el disco que voy a analizar a continuación es Bang 2, publicado en el año 2010.

El primer tema es "Hola hijos de puta" con la colaboración de el rapero Apolo al inicio del tema. La base al inicio, en la actuación de Apolo en la canción, suena un tanto chirriante, pero en la parte de Charly suena más amable, bajo letras que pretenden presentarnos el disco y el estilo del rapero, más bien en una canción más canallesca.


El siguiente tema es "Cuando eramos drogadictos", en el cual analiza aquellos años de juventud donde su vida, me imagino, debió tocar fondo, metiendo los temas del amor y haciendo referencia precisamente al autor literario antes mentado. Ese "A la mierda el estribillo hijos de puta" del estribillo acaba siendo hipnótico (¡JEJE!). Musicalmente su base es muy sencilla y repetitiva, pero suena suave y hace al tema digerible sonando muy industrial.

Un fragmento de una película, me imagino que Easy Rider, referente a la libertad del individuo muy emotivo abre el tema "Easy Rider, nacidos para ser salvajes", tema que cuenta con la participación de El Nega en la primera parte de la canción. La carga política con El Nega se hace mucho más patente, llenando la primera parte de muchas referencias y humor negro. Peca de ciertas rimas fáciles y de poca humildad haciendo tantas referencias a su masaje de ego, pero no deja de ser una canción con gran carácter subversivo, cargando con todo, Dios, la familia, el Estado, ... políticos pseudoprogres, ... Mientras que la parte de Charly Efe es mucho más existencial, más a su estilo. La música y el estribillo corrobora el estilo de la canción, eminentemente depresiva. Finaliza con una jocosa conversación hacia al final de la canción, y con la aparición de un extracto de la canción "Born to be wild" de  la banda de rock Steppenwolf.

La siguiente canción que nos ocupa es "Siempre nos quieren los mismos". Inicia con lo que creo que puede ser una retransmisión de un evento deportivo en una escena dramática, o una película. Con un estilo muy poético y rebuscado, mete existencialismo y ciertos puntos de política, criticando además el estilo de otros raperos, atacando a los poseros y a los copiones. Un tema típico de este género, nada de otros mundo, con una base más gansta-depresiva de lo normal.

A continuación tenemos, con un inicio de gran melancolía, "Que mañana se haga nunca", un tema de corte totalmente existencial, una base con un efecto phaser pronunciado, buena caja de ritmos y versos que danzan entre el auto-odio, las pullas a otros raperos y el suicidio, con un tono poético muy superior al del otro tema.

Seguimos con "El letrista", una canción jazzistica con un ritmo sencillo pero potente,  en el cual habla de drogas, rap gansta (mal) y asuntos existenciales, terminando con un solo de saxofón realmente precioso.

Danzando entre la temática amorosa y existencial tenemos "Cómplices", un tema con una base basada en piano y caja de ritmo que suena un tanto cansina, pero preciosa, haciendo continuos giros de notas, dejando en ocasiones al piano solo en los momentos post-estribillo de la canción.

En el caso de "Contigo (skit)" Charly parece estar más bien recitando un poema con una base de fondo, mezclando en los estribillos estilo rapero, ciertamente un estilo menos agresivo. Una base compuesta de un fondo de guitarra acústica con un riff sencillo e intimista, y una caja de ritmos casi imperceptible basada en platillos. La temática, como en todo Charly, tiende entre el amor y la existencia, pero con un tono menos soez y más sensible.

Iniciando con un tema de, posiblemente, jazz que se hará la base de la canción, Charly y Toni Mejías nos presentan el tema "Huelo a alcohol y a fracaso", basado fuertemente en el amor, eliminando cualquier referencia política, aunque se referencie a Allende por parte de Charly. Desde luego el "Pero yo te rompí el culo" de Toni Mejías se hace el centro de la canción, siendo reflejada en la parte de Charly, con el "Mientras el Toni habla de los culos rotos". Gran tema lleno de pesimismo, alcohol y fracaso.

Con un inicio canallesco, "Causa y efecto" trata la época drogadicta de este rapero de forma mucho más pronunciada, sonando con una voz llena de fuerza, y una base un tanto estándar pero resultona de fondo.

Y llegamos... a "Canción trágica" una canción pesimista al extemo, pesada, peñazo y realmente incómoda de escuchar junto a Cheb Ruben, con algunas rimas que me producen realmente horror. No me gusta el inicio. La parte de Charly no suena del todo mal y no parece perder cierto sentido del humor. Pero la voz de Cheb Ruben suena pésima, horrible y bastante patética, con una voz distorsionada de forma rara. Mal. Muy mal.

"Poema del penitente" inicia en el primer minuto con un auténtico recital de poesía con un estilo evocador y unos efectos sonoros de fondo que evocan lo escuchado y ambientan con toques de oscuridad. A partir del minuto 1 se convierte en un tema de rap con una base interesante con variaciones de estilos, pasando incluso por un ritmo regueton. Aunque a partir del minuto 2:40 más o menos la canción pasa a mostrar un audio de voces latinoamericanas (que yo me juego el pescuezo a que es una telenovela) que creo que no viene mucho a cuento, pero finaliza a partir del minuto 3:15 volviendo más tarde a la voz del Charly rapero.

El tema "Ahí os lo dejo" es un análisis y dura crítica a la falta de calidad que tiene el rap patrio, con una base un tanto molesta con un efecto de corte y repetición que me incomoda un poco, pero que conforma un tema contundente.

Llenos de desesperanza, "La muerte de un sueño" con Pepo se hace un tema depresivo mucho más masticable que el de Cheb, más suave y melancólico con secciones líricas maravillosas, tanto por parte de Charly, como por parte de Pepo.

"Minuto 92 (this is Anfield)" es un tema que funde toda la temática del disco y la pone bajo una base sencilla y repetitiva, con un Charly exultante... pero que se hace corta.

En definitiva, este disco es un musicalmente sencillo, como casi todo el rap, con un estilo lírico más contenidista que estético con un tono pesimista pero inteligente. En general, un disco notable.

miércoles, 1 de agosto de 2012

Reseñando discos: Deep Purple - ''Made in Japan''

>Listado de canciones:



1. "Highway Star

2. "Child in Time

3. "Smoke on the Water

4. "The Mule

5. "Strange Kind of Woman

6. "Lazy

7. "Space Truckin'"


>Integrantes:


-Ian Gillan - Voz
-Ritchie Blackmore - Guitarra
-Jon Lord - Teclados
-Roger Glover - Bajo
-Ian Paice - Batería



>Publicación: 1972

>Género: Rock, Hard Rock

Hola a todos, compañeros de la ''loud music'', cuanto tiempo. Hemos introducido una serie de cambios en el blog que creímos necesarios para darle una nueva imagen y vitalidad (gracias a Ádria por su gran trabajo) y así pudiese llegar mucho más rápido por los ojos y pudiésemos llegar a ser la fuente de información musical y rockera que desde el principio buscábamos ser, y lo estamos consiguiendo. Creo que con el paso del tiempo y los nuevos fichajes que hemos incorporado estamos dándole una vuelta de tuerca al anterior blog y podremos dar una visión más grande, objetiva y actualizada de distintos géneros y subgéneros del Rock y del Metal.
Creo que para este momento tan bonito que vivimos los colaboradores del blog, que vemos como esto va creciendo y vamos adquiriendo la etiqueta de ''comunidad web'' no existe mejor disco para tal reseña. Si aún no has escuchado el ''Made in Japan'' de los Purple, prepárate, por que todo el mundo que ama el rock y se topa con este disco queda absolutamente deslumbrado. Y no sólo por ser una de las bandas más representativas del Hard Rock en la historia de la música, no sólo por que los músicos se crezcan a cada tema que pasa el disco, no solo por eso. ''Made in Japan'' es un diamante que todo amante musical debería tener en su discografía, por su calidad técnica, por la gran etapa del grupo, por el nivel individual, y en definitiva, por que es un puto directo de 1972, y es ahí cuando las bandas demuestran su verdadero nivel interpretativo y musical. Me resultará especialmente satisfactorio y a la par difícil reseñar tal complejidad de disco a nivel interpretativo, pero lo merece, y más teniendo en cuenta el especial cariño que poseo a este grupo, y a esta obra. ¡Vamos allá!
El mismo año que lanzaron el mítico disco ''Machine Head'', Deep Purple en su tour mundial, por primera vez en su historia, pisaron el país del Sol Naciente, donde una gran masa de nipones estaban descubriendo el legado de esta banda y en cada momento salían y crecían fans por doquier. Grabado durante tres noches en Osaka y Budokan, 15 de agosto al 17 de 1972 jamás pensaron lanzar el concierto al mercado, pero de vuelta a Londres el señor Ian Gillan y sus compinches vieron que la calidad del sonido era magnífica y partía jodidos culos!.
Es por ello que lanzaron el disco el mismo año, retrasando su lanzamiento para EEUU. Fue muy bien acogido el disco, tanto que es un hito en la discografía de Deep Purple, gran parte de la fama que poseen reside en esta obra.
La banda se enorgullece en particular en el hecho de que todas las grabaciones son reproducciones bastante cercanas a las actuaciones originales, sin ningún tipo de doblajes de estudio o modificaciones que sea, la única modificación estaba en la música propia, ya que gran parte del disco esta claramente improvisado. Este es también uno de los puntos fuertes del álbum, y de los directos de los Purple y una razón de más por la que este grupo ha llegado a la leyenda.
Todo el mundo se vuelve loco al comienzo de las primeros riffs de ''Highway Star'' y  en especial los grandes Ritchie Blackmore y Jon Lord, que siempre han sido las estrellas del virtuosismo de la banda. Blackmore, egocéntrico como él mismo (un genio sin duda, pero que mala hostia ojú!), coge toda la atención con su famosa Fender Stratocaster, marcando cada riff y bastante más fluído y mejor que en las versiones originales de estudio. Especialmente los solos de ''Child in Time'' y ''Smoke on the Water'' son bastante superiores a los originales. Recuerdo cuando era un pequeño gorrión de las 6 cuerdas y soñaba con tener el porte de este genio fuera de órbita, ahora, a mis 18 años, sigo soñando con ello.
Hoy no voy a hacer un análisis individual de cada canción por que considero que este es uno de los discos que es de obligada escucha y no hay mayor análisis que el que te ofrece tu propio oído, colega, así que tienes deberes.
En el CD extra podemos encontrar tres bises de aquellos mágicos conciertos: "Black Night" (inédito) Un gran tema en el que vemos a los músicos en plenas condiciones, sobre todo la gran voz de Ian."Speed King", Que es muy conocida en el repertorio de los Purple, una canción más cañera y heavy que deja la boca agua desde el primer minuto hasta el último. Pero una de las canciónes que recuerdo con más afán es: "Lucille", 8 minutacos de un tema como el coliseum del metal, especial admiración por este tema que en el CD extra parece invisible pero es de obligada escucha.
Creo que no hay nada más que contaros, si me queréis, escuchar este disco, nunca decepciona y merece estar por siempre en nuestro recuerdo, como recurso y ejemplo de buena música en directo sin aditivos!

>Portada: 8

>Producción: 10

Creo que es injusto, incluso insultante, que no mencione, ni recuerde, a unos de mis teclistas predilectos de todos los tiempos, que nos dejo el pasado 16 de Julio por una embolia pulmonar, después de su gran lucha frente al cáncer. Descanse en paz, haya donde se halle , su música siempre será legado y su nivel de composición y virtuosismo ejemplo.

D.E.P JON LORD

-''Siempre tuve un admirable bigote''

domingo, 24 de junio de 2012

Reseñando discos: Overkill - "Feel the Fire"



Hoy os traigo una referencia dentro del thrash, Overkill, y en especial el álbum debut de la banda publicado en 1985 "Feel the Fire", álbum compuesto mucho antes de que se publicase (teniendo en cuenta que Overkill fue de los primeros grupos de thrash como tal, fundandose en 1980), que, debido a los problemas económicos de la banda, no pudieron publicar hasta entonces. Por aquellos días militaban Bobby 'Blitz' Ellsworth como vocalista, Bobby Gustafson en la guitarra, D.D. Verni en el bajo y Bob 'Sid' Falck en la batería.

El ambiente tenso del inicio del disco, ese pulso y esa respiración precede "Raise the death", un trayazo de proporciones bestiales. Esas guitarras de tono sugerente y oscuro, solos de carácter titánico, ágiles y constantes de extensión más que aceptable, y una batería inspirada y rápida, conforman un primer tema ágil y potente, un gran inicio lleno de rabia.

Una terrible risotada precede "Rotten to the Core", clásico de la banda, con un gran riff de estribillo, un solo compuesto de dos partes de gran factura, coros emocionates con mucha energía, un bajo fuertemente distorsionado y audible, y redobles bombásticos de batería.

Con un título muy punky, llegamos a "There's no Tomorrow", un tema muy potente, que a partir de la mitad muestra un gran cambio de tempo lleno de fuerza, que precede a un solo realmente caótico y bello, muy técnico, con un bajo y una batería potentísimos detrás que aderezan este trallazo.

"Second Son" muestra un poco la sencillez del punk en los riffs, un punk que les es influido por parte de los Sex Pistols, pero conscientes de la necesidad de una voz controlada y virtuosa al frente, y pese a eso, el solo se pasa por el culo la sencillez punk y muestran a partir de ahí un estilo más identificable con Iron Maiden, un tema con una voz bramante y mucha potencia que ceder a los metalheads.

"Hammerhead" hace honor a su nombre, tu cabeza te pedirá headbang, simplemente, como la canción reza. Posee un riff principal rápido e incitante, machaca-cuellos, grandes redobles de batería, y un solo brutal y enredador, con un acompañamiento de fondo que provoca deseos de realizar un pogo.

En la siguiente canción un bajo brutal y dominante inicia el tema, pidiendo que te pongas en pie y te agites como sea. Ese tema es "Feel the Fire". Rezuma poder con riffs de gran dureza rompe-oídos, baterías constantes y bombásticas, momentos emocionantes y mucho sonido de inspiración Maiden. A partir del minuto 3 hay un cambio de feeling en el sonido que me pone los pelos de punta, con un cambio, de nuevo, lleno de épica, una voz potente y guitarras, bajo y baterías emocionantes, que precede un solo ágil y mezclador de muchos estilos, llegando a haber un auténtico pregunta-respuesta al final de este realmente brutal solo.

"Blood and Iron" inicia con un trallazo en los oídos ensordecedor, lleno de oscuridad y gran calidad guitarística, redobles geniales de batería, y grandes sobradas de voz. El solo, con un fondo muy denso, se revela rápido y lleno de múltiples notas. En serio, prueba a quitarte los cascos o bajar el volumen de el reproductor al final de la canción, notarás los oídos por su potencia.

Otro riff potente y ágil precede "Kill at Command", es uno de mis temas preferidos, lleno de intensidad. Lo más destacable son los coros vocales no cantados del minuto 2:15, llenos de épica.

Y para finalizar el álbum, con un viento de historia épica y poderosa nos llega "Overkill", tema sin solo pero con un alto poder sonoro y mucho espíritu punky, con riffs sencillos y ágiles, y un vocalista ispirado y muy motivado.

Además, incluye un bonus track, "Sonic Reducer", con un estilo punk mucho más marcado y estándar.

En general, es un disco que muestra el sonido más oscuro en guitarras en cuanto a thrash se refiere que yo conozca, con un sonido guitarrero curiosamente cercano al wha-wha en los power-chords, lo que me hizo enamorarme irremediablemente de este álbum que bebe de las corrientes NWOBHM y punky de sus coetaneos para ser los adalides de un género en aquella época pugante.

miércoles, 20 de junio de 2012

Sangre Fresca: Nuevos grupos (II)

 Hola compañeros del Metal. Hoy os traigo una nueva entrega de "Sangre Fresca". En esta ocasión nos centraremos en otros 3 grupos que recomiendo con todas mis fuerzas.
Dispares todos ellos. Por eso es tan atractivo el metal, por la cantidad de variedad que podemos encontrar con solo investigar un poco.
¡Aquí va!

GOD FORBID 
*Nombre del grupo: God Forbid
*Nacionalidad: Estados Unidos (New Jersey)
*Número de LP's: 6
*Nacimiento: 1999
*Escúchalos si te gusta: Chimaira
*Canción favorita: War of Atrittion


El descubrimiento de God Forbid llegó a mi vida gracias a varias páginas web, foros de internet y revistas que hacían hueco de su nuevo lanzamiento llamado "Equilibrium". Me decidí a explorar su melodía y me encontré a un más que buen grupo de metalcore/heavy metal/Groove. Curioso es el dato de que su cantante sea un bicharraco enorme negro con rastas, hecho que a mi modo de ver, causa un efecto en directo bastante intimidante cómo nuestro "gran" nuevo cantante de Sepultura Derrick Green. Músicalmente poseen unos riffs pesados bastantes pegadizos y potentes. Además de una sección rítmica muy original. ¡A escucharlos!


RIVERSIDE
*Nombre del grupo: Riverside
*Nacionalidad: Polonia
*Número de LP's: 4
*Nacimiento: 2003
*Escúchalos si te gusta: Porcupine Tree
*Canción favorita: Out of Myself


Conocí a Riverside en extrañas consecuencias. Una amiga de mi novia que es bastante metalera, le dijo que su grupo favorito era Riverside. "-¿Los conoces? -me preguntó." Y no, la verdad es que no tenía ni idea qué grupo era ese. Así que investigué, escuché un par de canciones y me parecieron interesantes. No puedo decir que me hayan gustado una barbaridad, pero sí que tienen mucha calidad y algunas canciones de rock progresivo muy técnicas y logradas. Quizás con un cantante mejor, Riverside ganaría muchos enteros.
¡Escuchadlos y ya me diréis!


SKINDRED
*Nombre del Grupo: Skindred
*Nacionalidad: Gales
*Número de LP's: 4
*Nacimiento: 2002
*Escúchalos si te gusta: Ill Niño
*Canción favorita. Ratrace


¡Y éste es el grupo que más deseo mostraros! ¡Todo un descubrimiento! Skindred es probablemente uno de los grupos del sector metalero más raros que haya conocido en mi vida. Pero de lejos.

¿Por qué? Fusionan Rock, Heavy Metal, Groove, Hardcoore, Punk y lo más curioso de todo...Reggae. Sí, Reggae. Podría ser una bazofia, una mierda de fusión inventada por la mente alcohólica de un tucán, pero no...¡QUEDA GENIAL! Solo me queda pediros que escuchéis a este variopinto grupo de Gales.
¡Y atención a la variedad vocal del cantante: "Benji Webbe"!

martes, 12 de junio de 2012

Reseñando discos: Trivium - "Ember to Inferno"




Es curioso, pero cuando hablo acerca de Trivium y de sus primeras épocas toda la gente pregunta, incluso conociendo Trivium, "¿y de qué disco es esa canción de la que tú me estas hablando?"... y todas mis respuestas, no sin cierta sensación de extrañeza, son "de "Ember to Inferno"". Fans del grupo y metaleros de postín desconocen esta gran etapa del grupo, no precisamente por su éxito entre el público mainstream, cosa que se nota, sino por su mezcla de géneros entre death melódico, thrash y metalcore, desmarcándose más por un sonido thrash al estilo Metallica. La banda, por aquel entonces estaba conformada por Matt Heafy en guitarra y voz principal, Corey Beaulieu en guitarra y coros, Brent Young en el bajo y Travis Smith en la batería y el disco recibió un buen ratio de ventas para lo que es un álbum debut.

El disco comienza con una intro puesta del revés llamada "Inception the Bleeding Skies", la cual, en mi humilde opinión, sobra porque no aporta nada, ni un motivo argumental ni artístico, sólo un leit motiv del revés que se repetirá posteriormente, donde queda mejor. "Pillars of serpents" es una canción, digamoslo así, intensa, de una rama más thrash que el metalcore que suele exhibir el grupo, con un riff principal poderoso, y cierto pasaje de bajada en el minuto 3. Posee un solo precioso, virtuoso y muy neoclásico al final, pero que deja ganas de más, perfecto para empezar el disco. Una muy ágil batería destaca en "If I Could Collapse the Masses" canción en la que muestra mayor diversidad y variaciones entre el estilo duro y el blando del metalcore, pero, incluso, muestran un sonido de guitarras similares a Korn a partir del minuto 2:30, cosa que me sorprende. Y posee un solo muy Kirk Hammet, pero corto. El final es precioso. "Fugue (A revelation)" es para mí una de las canciones más thrasers del disco y muestra un poco parte del virtuosismo vocal y guitarrístico del grupo. Destacan los coros, con un tono suave y certero. A partir del minuto 2:54 se sucede un solo ciertamente épico y más largo que los anteriores. "Requiem" me parece demasiado sencilla para lo que suele hacer este grupo, pero tiene ciertos momentos ágiles y unas bastante bonitas combinaciones vocales melódicas, y ciertamente la voz gutural suena potente. El solo empieza simplista, se enreda brutalmente, y da lugar a una calma, y posteriormente a un caos sonoro realmente delicioso. Realmente destacable en este sentido. "Ember to Inferno". Mi favorita. Potencia por los cuatro costados, gran juego de voces y riffs simples, pero contundentes con un puente al medio-final realmente técnico. Posee un solo ágil, pero al final y casi en fade out, lo que impide escucharlo pasivamente... ¡y eso está mal! Pese a todo, gran tema. "Ashes" es un interludio tranquilo de guitarras casi angelicales que rompe un poco con la gran tensión y dureza de los primeros temas. Pero es muy significativo el final "picado" que muestra... Lo que da lugar a "To Burn the Eye" un tema repleto de intrincados riffs con un feeling curioso en ciertos puntos, en ocasiones tocando un complicando metal y, a veces, acercándose más a un tono de energía punk, mezclado con el estilo metalcore. A partir del minuto 4 se produce un cambio en el feeling, oscureciéndose el estilo radicalmente. El solo, sólo lo puedo describir
como caótico, muy grande. "Falling to grey" comienza con una guitarra rápida y un solo ciertamente corto, sucediéndose con un bonito riff metal soportado por una batería ágil. Ese bombo es espectacular, y el juego de guturales impresionantes, lo malo es que ese tono agudo de voces melódicas en esta canción es un tanto odioso. Tras un momento de calma, surge un solo ascendente y juguetón que adereza esta canción. Pese a todo no llega al nivel de las anteriormente vistas. "My Hatred" destaca por poseer un bajo que se oye como nunca en este disco, una batería un tanto mediocre y simploide para lo que suele verse en este disco, y un juego de voces un tanto falto de imaginación. El solo es en sí rápido y largo pero va como a tirones, no siendo un solo ágil de principio a fin. "When all light dies" comienza imaginativa con rápidos riffs de guitarra, seguidos de un riff principal muy metalcore lleno de variaciones. Los estribillos son poderosos, con voces guturales en algunos puntos y con fondos vocales no vocalizados en las etapas melódicas. A partir del minuto 3:15 el sonido se vuelve pesado con riff realmente angustiantes, con riffs que ya empiezan a divisar el sonido de futuras canciones como ciertas partes de "Like light to the Flies". Solos virtuosos de ambos guitarristas ponen la guinda a un gran temazo, posiblemente oculto, que hacia al final toma el aspecto del inicio electrónico de la siguiente pista, "A view of Burning Empires". Se trata de otro interludio continuando la melodía final de la canción anterior con el uso del mismo sintetizador de la intro, sólo que acompañado de dos guitarraslimpias. "Bliding Tears Will Break The Skies" es la canción con los fraseos de guitarra más intensos y estresantes en los riffs de transición y estróficos, a la par que preciosos en los estribillos. Cuenta con un solo titánico, ágil y corto precedido de una parte intensísima que embotaría la mente de cualquiera y, por todo ello, se trata de otro de mis temas favoritos. "The Deiceved", sin embargo, no me gusta tanto por la composición bizarra de los riffs y el uso barato de vocoders donde no debieran, pese a que sea muy técnico, me suena un tanto pomposo pese a su poder. No es mal tema en sí, pero pudo haber dado algo más de sí. "Demon" tiene un fraseo un tanto oscuro pero aún así dista de la calidad de "Ember to Inferno" y "Bliding Tears Will Break The Skies", parece más un intento de referenciar en su disco el movimiento groove 
con ciertos riffs cercanos a Pantera. Concluyendo, considero que este disco pese a lo desconocido que es merece un mejor trato tanto por los más metaleros, pues contiene elementos thrasers que han abierto en mí la brecha tolerante al metalcore, y a los menos heavies, porque es un disco con elementos melódicos muy marcados de gran calidad.


Gracias por leerme y disfruten de este curiosamente desconocido álbum.

lunes, 11 de junio de 2012

El heavy y el rock 'n roll en los videojuegos


¡Hola, amigos! Soy Viñix, y con esta entrada comienzo mi andadura en "B cuadro y B mol", blog de mis amigos Walter y Alexo-andro, en el cual es un honor participar. Comenzaré con una entrada que mezcla un poco lo que viene a ser dos pasiones de mi vida, el heavy metal y el hard rock con los videojuegos. ¿Y qué clase de relación tendrán estos dichosos hobbies, si no son tan parecidos? De siempre, los videojuegos han bebido de todas las corrientes culturales, y aunque del heavy metal y del hard rock ha bebido menos, tendiendo más hacia el cine, tenemos un par de jugosos ejemplos en los cuales la simbiosis es perfecta.
Para empezar. tenemos "Lords of thunder", videojuego de las videoconsolas Mega CD y Turbo Duo, un más que notable shoot'em up, en el cual su mayor peculiaridad es su banda sonora de acompañamiento, un rugiente heavy metal-hard rock tocado por una banda japonesa y compuesta por Toshiharu Tamanishi. Los temas más destacados son los de la fase "Bosque" y la fase "Dezant", de la cual incluso han realizado covers por internet. Escuchen, juzguen y miren. (Si quieren pueden descargar un versión de la banda sonora en Rapidshare, y no pongo link por miedo a que nos jodan el blog con el rollo de la ley Sinde)




(cortesía de Vertexguy, recuerden)

En tono más rocker, nos encontramos un videojuego de carreras llamado "Rock 'n roll racing" un videojuego de carreras, bastante malo ya, con vista isométrica para los diversos sistemas de 16 bits, en el cual la banda sonora es un conjunto de canciones clásicas de rock n' roll y heavy metal pasadas por el chip de sonido de silicio de las diversas consolas, entre ellas "Paranoid" de Black Sabbath, "Highway star" de Deep Purple,... He aquí unas pequeñas muestras (que creo que son de la versión SNES):



"Doom", uno de los primeros fps, posee una banda sonora curiosa ya que tiene temas basados en otros temas de heavy metal, los cuales forman parte del Olimpo icónico de la música videolúdica, y canciones de "Pantera", que distan de la calidad de éstas, y son midis muy mal hechos.
Un ejemplo de canción basada en otra, es el tema principal de "Doom", que está basada en el riff estribillo de "No Remorse":


...que se basa en el estribillo de...


He aquí una versión arranged (mejorada) de la primera:


Y he aquí unos ejemplos de "canciones" de "Pantera":


...con respecto a la "Walk" original...



... un pelín despropósito diría yo, pero aún así el videojuego no tiró para atrás.

Punto curioso es la participación explícita de Megadeth en la grabación del tema principal de "Duke Nukem", otro clásico fps, en la cual podemos escuchar un tema que a los conocedores de este videojuego sólo puede producirseles una única reminiscencia, Duke:


En un grado más argumental, tenemos al personaje Hoagie (que viene de la palabra "roadie", termino que se refiere al pipa de bandas de rock y metal de carretera) de la aventura gráfica "Maniac Mansion: Day of the Tentacle", creación de los geniales Tim Schafer y Ron Gilbert, el cual se basa en uno de los pipas de Megadeth, que fue conocido por el propio Tim. Este personaje, dentro del juego, ofrece una amplia gama de chistes metaleros y tópicos de los ochenta y noventa en un marco en el que es difícil que encaje: los Estados Unidos de la época colonial, generando muhos mal entendidos. Por lástima, el videojuego no cuenta con grabaciones de heavy metal de ningún tipo, debido al estilo midi que calza, lo cual no sería especialmente atractivo, y tiende a un sonido de música simpática y chorra, que encaja perfectamente con el aspecto y argumentos alocados del título en cuestión. Reseñable es la posibilidad de comprar su camiseta por Internet, así que si gustais de ella, ¿por qué no?


¡Hoagie al rico pixel!


Camiseta de Hoagie, por si quieren, búsquenla en Google. 

Y por último reseño "Full throttle" y "Brütal Legend", ambos videojuegos surgidos de una misma mente. Tim Schafer. El primero es una aventura gráfica de moteros cuya mayor peculiaridad es la banda sonora hardrockera grabada por el grupo motero The Gone Jackals (no he podido jugarle, aún, pero cuando le eche la mano encima no se me escapará). Y el segundo es un videojuego de PS3 y Xbox 360, el cual narra las aventuras de Eddie Riggs, interpretado por Jack Black, el cual destaca sobretodo por ser la mayor peripecia heavy de la historia hecha juego, con incursiones de grandes metaleros como Ozzy, Dio, Lemmy, Haldford, ... y muchas canciones de heavy metal que amenizan la aventura (debido a que no tengo PS3 ni Xbox 360, hablo por informaciones pero supongo que no ando desencaminado, después de todo).


Les presento a Tim Schafer, esa mente loca y brillante.



Me abré dejado infinidad de videojuegos en el tintero, pero son sólo videojuegos con músicas de metal genérico o simple basura. Gracias por todo chicos de "B cuadro y B mol", y queridos lectores, disfruten de la lectura.

martes, 3 de abril de 2012

Sangre fresca: Nuevos grupos

Hola compañeros, hoy os traigo una entrada que tenía pensada desde hace un tiempo.
Veréis, siempre me he considerado un buscado incansable de nuevos grupos. No soy capaz de quedarme solo con los Metallica, Megadeth's, S.O.A.D., RHCP y demás grupos que todo el mundo escucha.
A mí me gusta ir más allá. Me gusta explorar y rebuscar a grupos sin tanta proyección, pero con una calidad interesante. Mi forma para hacer dicha búsqueda es en la revista MetalHammer, en foros, páginas webs y demás.

Los últimos meses he conseguido encontrar nueva sangre musical muy interesante. No solo metalera. Ahí va:

TASTER'S

*Nombre del grupo: Taster's (Anteriormente Taster's Choice)
*Nacionalidad: Italia
*Número de LP's: 3
*Nacimiento: 2002
*Escúchalos si te gusta: Shadows Fall
*Canción favorita: Please destroy this World


Taster's es una interesante banda conocida gracias a una sosa entrevista de la metalhammer. El grupo es algo así como una representación musical de una típica banda de Metalcore, pero muy cabreada. Pues esa es la sensación que dan. Guitarras demoledoras, fuertes y duras. Voces death, y percusión frenética y pesada. Si a esto le unes las típicas voces limpias que siempre ha dado el Metalcore, tendremos a Taster's servidos en nuestro tímpanos. La primera escucha de la discografía me ha gustado, pero pueden llegar a cansar si estás más de una hora con ellos.


THE EYES



*Nombre del grupo: The Eyes
*Nacionalidad: España
*Numero de LP's: 2
*Nacimiento: 2007
*Escúchalos si te gusta: Unearth
*Canción favorita: Die to Rise


Interesante grupo el que he descubierto hace a penas un mes. Y lo mejor de todo...¡españoles! Con claras influencias del Groove, Metalcore y Death, The Eyes se están abriendo con paso firme en la industria del hardcoore. Por ahora ya han conseguido proezas importantes como compartir telón con Mastodon, Gojira y Skeletonwitch. Muy muy recomendados.






WARBRINGER

*Nombre del grupo:Warbringer
*Nacionalidad: EEUU
*Numero de LP's: 3
*Nacimiento: 2006
*Escúchalos si te gusta: Evile
*Canción favorita: Future Ages Gone



Grupos como Evile o Angelus Apatrida se han atrevido a hacer thrash limpio y técnico como antaño, cuando la música electrónica está tan de moda. Sin embargo, hay otro grupo que sigue subiendo como la espuma en esta nueva generación de Thrashers: Warbringer. Warbringer es una delicia. No se limitan a aporrear la batería, la guitarra y hacer como que cantan. No, es mucho más que eso. Es Thrash, pero thrash melódico. Del estilo que cuentan historias, que tienen melodía, con solos rápidos y que poseen a todo el que lo escucha, para romper sus cuellos con importantes headbangers. Más que recomendados.

sábado, 3 de marzo de 2012

Reseñando discos: Rhapsody of Fire - ''Dawn of Victory''



>Listado de canciones:
1. "Lux Triumphians"
2. "Dawn of Victory"
3. "Triumph for my Magic Steel"
4. "The Village of Dwarves"
5. "Dargor, Shadowlord of the Black Mountain"
6. "The Bloody Rage of the Titans"
7. "Holy Thunderforce"
8. "Trolls in the Dark"
9. "The Last Winged Unicorn"

>Integrantes
*Luca Turilli - Guitarra
*Alessandro Lotta - Bajo eléctrico
*Alex Holzwarth - Batería
*Fabio Lione - Voz
*Alex Staropoli - Teclado

>Publicación: 2000

>Género: Power Metal, Epic Metal, Folk Metal

Bienaventuradas sean vuestras melenas, hijos de Odín. Hoy, como siempre me ocurre en algún momento del año, vuelvo a retomar viejos géneros más que conocidos y que seguí fielmente en mi pasado metalero (y digo seguí por que ahora me decanto más por otras vertientes musicales).
¿No os ha ocurrido nunca?, hay veces que lo único que me pide el cuerpo es volver al medievo y sentir que peleo con los dragones más temidos de mi reino, salvo a la princesa más bella o simplemente puedo manejar a Excalibur, y esto señores, se llama Power Metal, un género del que saco muchos aspectos buenos y que jamás me cansare por completo de escuchar.
Al pensar hoy sobre que actualizaba el blog, y hablando de power, se me han venido un ejército de grupos a la cabeza, todos dignos de ser reseñados, pero como en todo, yo soy una persona un tanto especial, y no escucho todo el Power que se me ofrece, ya que no todo lo considero bueno, es un género muy abierto pero puede malintencionarse y muchos nombres puedes llevar a cabo grandes mierdas en formato CD.
Por eso, he decidido despues de reflexionar mucho, dedicarle este espacio, a Rhapsody of Fire, unos italianos que se han ganado, a pesar de todas sus dificultades técnicas sobre todo en materia de directo, la bendición de los dioses en estos 19 años de verdadero power metal. Este, señores, es el resultado es una obra firme fruto de la madurez artística del grupo, allá vamos \m/.

"At the court of king Chaos only blood
can write its own tragedy... "

Empieza el preludio instrumental con ''Lux Trumphans'' con una orquesta coral de lo más agresiva, parece que asciendes al mismísimo Olimpo cuando al terminar esta emocionante intro comienza el rompedor riff de ''Dawn of Victory'', una pasada.
Me parece que Dawn of Victory es quizás el más equilibrado y refinado de sus lanzamientos hasta su último trabajo en curso. Un muy buena mezcla musical entre una o.sinfónica y el metal es transmitido en la mayoría de las canciones y álbumes a diferencia de la mayoría de Rhapsody, no hay tantos puntos lentos aquí y allá. Todo este disco es power metal directo a tu cabeza.
Los violines abren con ''Triumph for my Magic Steel'', otro gran tema con grandes vertientes de power, pero con un toque menos agresivo. Resaltar la figura de todos estos virtuosos músicos de los que estamos hablando, absolutamente alucinantes todos, desde Fabio a Luca, un gran headbanger por ellos ;)
''The village of Dwarves'' es el tema más folk del disco, recomendado al 100% a toda esa gente que cree que el folk lo inventó Mago de Oz, un pequeño himno de taberna pegadizo que nos hace vibrar, grandísima intrumentalidad en este tema también.
Al cortar el aire de misticismo y final del tema anterior volvemos a lo duro, para mí, de los mejores temas del disco. ''Dargor, Shadowlord of the Black Mountain'' narra la historia del principe de las tierras oscuras, tan fuerte y valiente como la música que lo presenta. Increíble este tema amigos, bravo por este temazo, composición de Luca Turilli, para mí de los padres y maestros de la guitarra en el ámbito del power metal, echar un ojo a su discografía en solitario, alucinante.
''The bloody rage of the Titans'' comienza como una segunda parte al anterior tema. 6 minutazos de canción en creccendo en la que sobre todo Fabio se sale de su órbita de cantante, resaltar también el piano de Staropoli y a Torilli, ofreciendo como siempre en todos los finales de tema un espectáculo de clasicismo virtuoso digno y propio del propio Bach.
Volvemos a invocar a todos los demonios con ''Holy Thunderforce'' otro de los temas más rlevantes del disco, pegadizo estribillo con una perfecta estructura instrumental y coral, resaltar la complejidad de la percusión de este tema, vibrante, ¡lo que daría por sentir este bombo reventándome el torax!.
''Trolls in the Dark'' nace como el primer y único tema instrumental del disco, Luca Turilli se crece en este tema, con un interminable solo a dos voces que te pone los pelos de punta, me parece un perfecto enlace entre un tema y otro, teniendo en cuenta la complejidad y que es el penúltimo tema para el cierre.
Para mí, "The Last Winged Unicorn" es el mejor tema del disco, el mejor cierre, y en el que todos los músicos unen todas sus características para lanzar tan obra de arte, me parece una genialidad. Una perfecta manera de cerrar un disco de muy buenas puntuaciones y con el que me llevo un muy bonito recuerdo.

>Portada: 8

>Producción: 8

>Top 3 canciones:
1. "The Last Winged Unicorn"
2. "Dawn of Victory"
3. ''"The Bloody Rage of the Titans"

jueves, 9 de febrero de 2012

MASTODON - THE HUNTER



 Mastodon ya estaba en la cumbre. Todos los metalheads del mundo tenían suficiente información de este grupo, como para que un disco suyo fuera pasado de lado. Tanto es así, que cuando Mastodon anunciaba que estaban a punto de sacar a la venta un disco como The Hunter, el mundo de la música potente se quedó sin respiración. ¿Qué podían esperar de Mastodon? ¿Qué camino iban a tomar? ¿Iban a seguir la senda experimental o volverían a sus inicios?
La respuesta son las dos y ninguna de ellas. Podemos apreciar que The Hunter es un disco ambigüo. Es una fusión entre la parte más "tranquila" de Blood Mountain y la más "nerviosa" de Crack the Skye.
Pero es complicado de explicar. Lo mejor será que escuchéis el disco en cuestión y luego os saquéis vuestras propias conclusiones. Aquí la mía:

Llevaba ya mucho tiempo escuchando éste tema en Youtube, pues fue el primer single que sacó el grupo. No es un buen tema, no es un gran tema...es una obra de arte. Ha pasado a ser uno de mis favoritos del grupo, al igual que pasó con Oblivion en su anterior CD: Crack The Skye.
Me encanta esa intro malvada, que a su vez es el riff entero de la canción. La voz cambiante de Troy, que parece mostrar un atrevimiento poco visto en él desde siempre.
Entre sucedáneas variaciones de tonos armónicos la canción se va moviendo a un ritmo terriblemente negativo, atronador, fuerte y despiadado.
Hasta llegar al solo. Los solos de Mastodon suelen ser raros y basados en extraños y originales movimientos por el mástil, pero en Black Tongue es deliciosamente bonito y estructurado.

Curl of the Burl fue la 2ª canción que salió al mercado audiovisual. Con un videoclip marca de la casa, es decir, extraño...podemos ver como un feo y "descuidado" redneck típico de EEUU, se "coloca" a base de madera, volviéndose loquísimo y haciendo movidas muy, pero que muy malrolleras.
La canción en sí me deja muy frío. Al igual que la voz de Brent Hinds, que dependiendo de la canción, nos eleva hasta el mismísimo nirvana o nos empuja al núcleo de un iceberg. En Curl of the Burl, me quedo más bien helado.
Es repetitiva y se libra de ser una canción terriblemente mala, por una de las mejores baterías que ha nacido en el siglo XXI, la de Brann Dailor. Que una vez más nos deja con la boca abierta.

Blasteroid es una canción bastante atípica. Cosa que podemos convertir en típica si hablamos de Mastodon.
¿Qué pasa si a una canción le ponemos el riff de una canción típica de Rise Against, la voz melodiosa de un cantante indie y la batería de Brann Dailor (puesto que no hay nadie parecido a él) y lo comprimimos en 2 minutos y medio? Pues algo muy parecido a Blasteroid. Eso sí...el toque de Mastodon no desaparece en ningún momento.
Not bad. Pero no es ni mucho menos de las mejores canciones del CD.

Y con una intro muy a lo "Sleeping Giant" (he de reconocer que una de mis canciones favoritas de la banda), entramos de lleno en Stargasm. Me declaro infinitamente fan de las intros psicodélicas de Mastodon. Son geniales, una de las cosas que más me gusta escucharles hacer.
¡Casi sin darnos tiempo, la canción sube el ritmo y nos deja sin respiración! Stargasm habla de algo muy parecido a una carrera espacial por la conquista de una estrella que da poderes.
Y justamente esa es la sensación que da. Guitarras rápidas que van corriendo de un lado para otro, una voz muy de "fondo" como es la de Brent Hinds y la batería machacante y técnica de Brann Dailor.
Sin embargo, en la carrera hay descansos espaciales muy bonitos. Una pequeña variación de la intro mística, vuelve a aparecernos para relajarnos.
Entre bonitos relevos de descansos intergaláctivos y turbos espaciales...la canción termina.
Cada vez que la escucho me gusta más. Muy muy recomendada.

Octopus has no Friends probablemente sea la canción con el título más raro que haya visto en mi vida. De hecho estoy seguro de que así es.
De llenos ya en la canción podemos ver un bajo muy fuerte y oscuro de Troy, que lleva el timón de la canción  todo el tiempo.
Destacar el dúo de guitarras entre Brent y Bill, que rasguean y puntean lo que quieren y más. A más de uno ésta canción le pondrá de los nervios, pero ya estoy acostumbrado al caos técnico de Mastodon. Así que solo puedo decir que me encanta. ¡Me encanta!

¿Recordáis aquél tema de Crack the Skye llamado Divinations? Pues en éste track, All the Heavy Lifting, tenemos una réplica muy parecida, pero con la voz de Mr. Sanders.
Es uno de mis temas favoritos del álbum. No sé...tiene una magia especial. Probablemente la culpa esté en la batería de Brann Dailor y ese cambio que recibe toda la canción en el minuto 2:15 (más o menos), tan característico del grupo. Algo muy parecido a lo que sucede en Megalodon.
¡The Hunter no da descanso y All the Heavy Lifting es una buena prueba de ello!

The Hunter es un tema muy del rollo de Crack the Skye. Al parecer al grupo le gustó su faceta de Rock Progresivo y se ha quedado con bastante esencia del anterior álbum.
Con una atmósfera que recuerda bastante a The Last Baron, la canción se mueve por un punteo muy psicodélico, muy bien acompañado e interpretado por Brent Hinds y Troy Sanders.
¡Pero lo mejor de la canción es cuando llega el solo de Brent y llega el estribillo y se unen! Momento mágico.
¿Queríais un descanso? Pues ahora será muy complicado despertar. Os lo aseguro.

Dry Bone Valley empieza con algo parecido a un cuerno de película épica, pero hecho con una guitarra eléctrica. Pero en nada empieza la acción. Un riff con un estilo muy Divinations, deja lugar a un estribillo semi-parecido a la intro de Enter Sandman, pero interpretado por la voz de...¡BRANN DAILOR! Una vez más, éste ultra-gran baterista vuelve a dejar su huella vocal en éste disco.
¡Peeerooooo la cosa mejora! Pues Brent al parecer quiere hacer los solos más bonitos que nunca y ésta vez se vuelve a superar. Pena que dure tan poco, pues los pocos segundos que dura es un orgasmo musical.

Volvemos a pedir un poco de calma y se nos da con la bonita y tranquila intro de Thickening. Una intro que poco a poco se va "prostituyendo", hasta llegar a ser una prostituta sucia, con muchas enfermedades de transmisión sexual y un caos mental muy importante.
Probablemente el peor tema del disco. No puedo decir nada más. Hasta la batería de Brann da asco.

Cual introducción de película VHS americana antigua, empieza Criature Lives. Algo así como una oda al nacimiento de extraños seres intergalácticos. Además de darle un toque "espacial" a la canción, tratan el génesis de la vida de estos bichitos con ternura, amor y delicadeza. Al menos esa es la apariencia que da la atmósfera de la canción. Mala, canción mala. No parecen para nada Mastodon aquí.

Spectrelight es una de las mejores pistas del CD. Recuerda a un tema cualquiera del Blood Mountain y eso pone mucho la piel de gallina después del chasco de los dos últimos temas. Incesante golpe de guitarras rasgadas, batería adrelinosa, voces rasgadas hasta el límite de la ruptura de la cuerda de vocales, un bajo atronador que aprisiona la melodía. Y fin. ¡No queríamos que terminara tan pronto!

He buscado la letra del siguiente tema, y a pesar de haber luchado durante algunos minutos para entender su significado, lo único que he sacado en claro es que habla algo de un planeta que se alimenta de algo. Tal vez de energía, tal vez de cerebros o tal vez de tu puta madre. Eso nadie lo sabe. El caso es que Bedazzled Fingernails es un tema bueno. Sigue la estética de las mejores canciones de The Hunter. Y eso es de agradecer, que para temas psicodélicos sin sentido tenemos el festival del FIB cerquita. Aquí las voces están flojas, pero Brann Dailor saca su artillería pesada para dejarnos sin álito al final de la canción.

Y el atípico disco de los de California termina con una semi-instrumental. Tal y como vienen haciendo desde siempre. Una pasada de tema. The Sparrow es un precioso corte donde vemos punteos melódicos, solos rápidos y técnicos en la parte final, una voz de ultratumba que congenia muy bien con el manto instrumental.

________________________________________________________________________________
En fin. A pesar de haber dado varias escuchas a este disco, todavía no sé si es un buen disco, uno regular o mediocre. Pero es entretenido. Es complejo y largo. Está lleno de detalles que se escapan a muchas audiciones primerizas. Por eso me gusta Mastodon. Porque es un grupo atípico, anormal en el vasto mundo del metal. Cuando sacan un disco, no dejan indiferente a nadie. Y mientras algunos sienten asco por su música, otros les adoramos y vemos en su imagen, el futuro del metal.

Top 3 de canciones:
1-Black Tongue
2-Stargasm
03-All Heavy Lifting

NOTA FINAL: 6,0. Suficiente.

sábado, 28 de enero de 2012

Reseñando discos: ''El Patio'' - Triana



>Listado de canciones:
1. Abre la puerta
2. Sé de un lugar
3. Todo es de color
4. Luminosa mañana
5. Diálogo
6. En el lago
7. Recuerdos de una noche

>Integrantes:
*Jesús de la Rosa – voz y teclados
*J. J. Palacios "Tele" – batería y percusión
*Eduardo Rodríguez – guitarra española
*Manolo Rosa – bajo
*Antonio García de Diego – guitarra eléctrica

>Publicación: 1974

>Género: Rock progresivo & flamenco

Me encanta empezar una entrada de un disco importante, me gusta comenzar una entrada de un disco revelador y que ha hecho historia, y sobre todo si es producto nacional. Este es el caso de Triana y su primer album ''El Patio'' del cual me siento terriblemente identificado y que, para mi punto de vista y también el de mucha gente; nada volvería a ser lo mismo en la música española después de ''El Patio''. Con este disco el rock español se puede separar de todos sus complejos ya que este disco puede competir perfectamente con otros grupos progresivos de la época, como King Crimson, Van Der Graaf Generator, Yes, etc, etc... solo que Triana goza de un punto a favor claro, que le hace ganar más independencia e importancia hacia los demás grupos. El flamenco, ese género que no necesita más que una caja y una guitarra, estos hombres son capaces de dar una vuelta de tuerca al flamenco español de los 70's y fusionarlo con un género que jamás pensaríamos que concordaran. Jamás se pensó que uniendo a un grupo de flamenco una batería progresiva, una guitarra eléctrica y un buen sintetizador saldría tal armonía para nuestros oídos.
La historia de Triana es la historia de un grupo clave de nuestra música, cuya obra sigue siendo esencial para todos aquellos que buscan la identidad del rock en español. Sigue siendo influencia y sigue siendo recordado (pregunten a sus ancestros) por un gran grupo de gente que abarca dos géneros distintos, el rock y el flamenco, por fín unidos. La lección de Triana se revela valiosísima con el paso del tiempo: ante todo, no olvidemos quiénes somos.
Vamo' maestro.

Escuchamos acercándose un preciso preludio instrumental, el cual va avanzando hasta que vibra el gong ... la apasionada voz de Jesús de la Rosa canta, aúlla: “Yo quise subir al cielo para ver / y bajar hasta el infierno para comprender… y aquí comienza ''Abre la puerta''.
¿Quién, en aquellos primeros años de la década de los 70, podía haber profetizado que un compás por bulerías podría servir de enlace para una explosión de rock progresivo?. Este sonido tan característico que escuchamos con tanta naturalidad parece haber sido creado desde siempre, como si el flamenco-rock hubiese estado con nosotros desde nuestros principios. Los músicos sobresalen poco a poco avanza la canción, la batería de Tele parece haber salido de otra galaxia, el sintetizador de Jesús y la guitarra de Antonio Garcia de Diego resultan imprescindibles, tanto en su momento protagonista como durante toda la canción.
Perfecto tema de entrada para comenzar un perfecto disco.

''Sé de un lugar'' comienza como un brote de rabia flamenca, Jesús de la Rosa se hace notar totalmente en este tema, con grandes cantes y una preciosa letra de amor capaz de enamorar a cualquier hijo de vecino. Parte instrumental después de la vocal esencial también, con un flamenco-solo de guitarra eléctrica de parte de Antonio finalizando con todos juntos volviendo al carismático y fuerte estribillo... ''Sé de un lugar...

''Todo es de color'' nace con un bonito ritmo por bulerías, se escuchan de fondo los pájaros y las cigarras que hacen del tema del que se habla (la primavera) una estación preciosa donde todos somos felices. Breve tema, pero muy bonito y relajante.

''Luminosa mañana'' es de los temas que más te marcan del disco, se puede observar al Jesús más ''rockero'', su concreción estructural y de metraje la hace tan humilde como soberana en sus formas, siendo para mí uno de los temas de Triana que más hondo me han llegado. Resalta el sintetizador y el vocal, complementándose en cada frase.

''Diálogo'' posee uno de las letras más flamencas y lindas del disco, muy profunda, acompañado de un gran trasfondo rítmico con los teclados. Aunque es de los temas que más muestran de dónde procedían Triana, ellos no olvidan sus fuentes s del Progresivo y despiden la pieza con esa especie de ráfagas discontinuas de tan delicada y magistral factura, con la que parecen querer despertar de su propio sueño.

“En el lago” todas las mejoras del sonido del grupo se estructuran en torno a la melodía más lograda del disco. El resultado es un himno de esos que en los conciertos se corean mechero en mano. Además, no hay que pasar por alto esta letra que, en pleno 1975, habla de probar nuevas experiencias y de edenes donde hombres y mujeres conviven en libertad, canciones como estas dieron forma a grupos como Jarcha, grupos de la transición española que también marcaron una época.

''Recuerdos de una noche'' finaliza el disco con yo diría la canción más flamenca del disco, e igualmente, de mis preferidas, Jesús entra en escena notando su potencia y en consecuencia todos sus músicos, me quedo de rodillas con el valor instrumental de este tema, enorme. Unas perfectas bulerías que se alternan terminando por fandangos, precioso.

>Miembros:
Todos los miembros de Triana gozaban de una gran plenitud, y al ser su primer disco, estaban esperanzados. Posiblemente su mejor siguiente disco sería ''Hijos del Agobio'' donde se volverían a salir de la estratosfera musical. Pero a partir de ahí Triana entra en sus años más comerciales, dejando algunos discos con poco significado y alejados del carácter de los primeros álbumes.
Después de la joven muerte de Jesús de la Rosa en un accidente de tráfico y de posteriormente el fallecimiento del mítico ''Tele'' los miembros que quedaban de esta nueva formación sacaron un nuevo e indignante disco donde como siempre, se intenta resurgir la leyenda de un grupo ya muerto y lo único que se consigue es ofender e intentar lucrarse del mito.
En definitiva, ''El Patio'' es un disco 100% Triana, y sus músicos también lo son.

>Portada: 7

>Producción: 9 (Se vendieron 73.000 copias en dos meses y medio), la versión CD fue lanzada en 2003 internacionalmente.

>Top 3 canciones:
1. En el lago
2. Recuerdos de una noche
3. Se de un lugar

miércoles, 18 de enero de 2012

Times to Grace - The Hymn Of A Broken Man

 

Recuerdo que hace unos años descubrí Killswitch Engage gracias a un reportaje que venía en la Metalhammer a cerca de su último disco. El homónimo había recibido buenas críticas, pero lo definían cómo el más flojo de la etapa Howard Jones hasta la fecha. Yo no conocía nada del grupo, pero sí que me sonaba por el Guitar Hero y por la valoración general de que era uno de los grupos más influyentes del metal moderno.
Así que fui a la búsqueda de sus canciones famosas. Me encontré con The End of Heartache, Rose of Sharyn, Dayligh Dies...pero la que me enamoró hasta la médula, hasta el límite de lo aceptado en algo musical fue My curse. 
El amor era muy grande, así que me bajé la discografía. El grupo se separaba por dos etapas. Etapa Jesse Leach y etapa Howard Jones. La primera se puede definir cómo etapa Metalcore clásico, duro, machacón, y muy técnico. La era de nuestro negro amigo, se diferenciaba muy poco en lo instrumental, pero la voz era mucho más limpia y potente. No así comercial, ya que la voz de H. Jones tiene un matiz de Soul que logra una extraña y exitosa fusión con el resto de la banda.
Así fue empezó el romance entre Killswitch Engage y yo.

A pesar de amar por encima de todo a Howard Jones, la etapa de Jesse Leach también me pareció inmensa. El disco  Alive Or Just Breathing es una pasada de principio a final. Pero le perdí la pista, ahora sé que estuvo en grandes bandas pesadas cómo Seemless y The Empire Shall Fall. Desde la sombra seguía moviéndose a un gran nivel, e incluso un gran grupo de fans de KSE pedían su vuelta inmediata al grupo que le hizo famoso.
Y esa unión no se ha producido, ni creo que se produzca. Peeerooo algo muy parecido ha nacido este año: Times to Grace.

Veréis, Adam Dutkiewicz Y Jesse Leach se encontraron en una gala de Roadrunner Records. Estuvieron juntos mucho tiempo y el enigmático guitarrista de KSE le preguntó si quería hacer un disco con él. Tenía algunas ideas jugosas en mente y quería sacarlas al exterior de alguna forma. Jesse Leach aceptó la oferta sin dudarlo. Sabía que un disco con Adam no podía salir mal. ¡Y vaya si tenía razón!

Times to Grace desborda calidad por todos los lados. Originalidad perpetua de principio a fin. La voz de Jesse Leach está mejor que nunca. Esos desgarros ponen la piel de gallina cada vez que los saca fuera. También su voz está más sureña que nunca, dando un cierto aire a Phil Anselmo que realmente pega con la guitarra de Adam K.
Pero para mí el gran protagonista de este disco es Adam Dutkiewicz. Realmente está inspirado en este disco. (¿No ha estado inspirado alguna vez?). Pero más que nunca, yo creo que ha hecho el mejor trabajo de su carrera cómo compositor. Pues también ha creado la melodía del bajo y batería. Vamos, que es multifunciones. Ha conseguido, una vez más, desatascar un género que está poco a poco siendo apoderado por los jóvenes pijos y tatuados del norte de EEUU.
Ese riff de Strenght in Numbers dan ganas de saltar de la silla, dar con la cabeza en el techo, sangrar y repetir el proceso una y otra vez. Live in Love va alternando entre momentos tranquilos y "Metalcoreadas" de exquisita calidad.

También podemos apreciar el toque Killswitch Engage en Worlds Apart, baladas al más estilo Down en The Forgotten One o una fusión de ambas cosas en Fight for Life.


Pero la melodía no es todo. Jesse Leach ha conseguido mejorar muchísimo en uno de los aspectos que más flaqueaba: las letras. Esta vez podemos apreciar canciones con significados profundos y originales. Temas complicados cómo el suicidio o el optimismo son tratados con una extraña danza entre lo prohibido y lo comercial.


En fin, amigos... Soy idiota por no haber escuchado este disco antes. Si no, os aseguro que estaría entre los 5 mejores del año en la anterior lista que hice. Es lo más fresco que he escuchado en muuuuuuuchooo tiempo. Ojalá no se quedara en un proyecto aislado entre viejos amigos y siguieran. Porque estos dos tienen una calidad y una originalidad que a muchos les gustaría hoy en día. Si no lo habéis escuchado...estáis perdiendo el tiempo.


¡UN ABRAZO!